Actividades

17.00 h, Centre d’Art La Panera

En esta presentación, Macarena Gómez-Barris rastreará las prácticas de activistas, intelectuales y artistas indígenas que tienen lugar en zonas extractivas (regiones de América del Sur conocidas por su biodiversidad y una larga historia de extracción explotadora de recursos naturales), que resisten y rechazan los términos del capital racial y los continuos legados del colonialismo.

Macarena Gómez-Barris es escritora y académica, con un enfoque a las humanidades ambientales decoloniales, el autoritarismo y el extractivismo, las epistemes queer latinas, los entornos mediáticos, las ecologías raciales, la teoría cultural y la práctica artística.

Es autora de cuatro libros, entre ellos The Extractive Zone: Social Ecologies and Decolonial Perspectives (Duke University Press, 2017), que examina cinco escenas de capitalismo extractivo ruinoso, y Beyond the Pink Tide: Art and Political Undercurrents in the Americas (UC Press, 2018), un texto de esperanza crítica sobre el papel del arte sumergido y las solidaridades en tiempos convulsos. También es autora de Where Memory Dwells: Culture and State Violence in Chile (2009), y coeditora con Herman Gray de Toward a Sociology of a Trace (2010). Es editora de la serie «Dissident Acts» en Duke University Press, junto con Diana Taylor.

La presentación irá precedida de una visita a la exposición individual del artista Ignacio Acosta, «De Marte a Venus», a cargo del propio artista.

Colaboran: proyecto I+D “Sentido de lugar e inclusión socioespacial en barrios vulnerables”, Facultad de Letras de la Universidad de Lleida (SENSCLUSIÓN, PID2021-123255OB-I00); proyecto I+D “Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial” (VIGEO, PID2022-139211OB-I00), Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona; Universitat Oberta de Catalunya.

Actividad vinculada a la exposición «Ignacio Acosta. De Marte a Venus», 13.ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol – Prólogo, comisariada por María Íñigo Clavo y Christian Alonso.

Dora García, artista, con especial atención a todo tipo de material impreso, ha trabajado en múltiples ocasiones tanto con Àlex Gifreu, diseñador gráfico, como con Frederic Montornés, comisario y crítico de arte. 

En motivo de la exposición que se presenta en el centro de documentación hablaran del trabajo que han hecho juntos, de sus intereses, y de las ediciones y publicaciones que podremos ver en la exposición.

Centre de documentació de La Panera

18h 

Lunes 17 de junio de 2024

Sala Jane Addams, Facultat de Geografia i Història, Universitat de Barcelona (C/ Montalegre 6, Barcelona). 

Gratuita con inscripción previa

La obra de la artista y poeta Regina José Galindo (Ciudad de Guatemala, 1974) gira en torno al cuerpo femenino como escenario de múltiples y estratificadas formas de violencia. Sus performances se configuran como momentos de denuncia en los que se visibilizan las discriminaciones y las asimetrías de poder que caracterizan la sociedad capitalista y patriarcal. 

En esta mesa redonda, organizada en el contexto del proyecto de I+D Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial (VIGEO) y de la exposición Descolonicemos el mundo (Centre d’Art La Panera) se ahondará en el amplio recorrido de la artista. Se analizarán en particular algunas obras en las que la preocupación feminista se entrecruza con la denuncia de prácticas de extractivismo y mercantilización de la naturaleza en Guatemala y en otros territorios. Aquí el cuerpo de Regina José Galindo se extiende hasta englobar otros cuerpos -humanos y más que humanos- afectados por la violencia extractivista. La acción creativa de la artista no solo reclama atención hacia las injusticias socio-ambientales, sino que apela al cuidado mutuo intergeneracional e interespecie.

El diálogo entre Regina José Galindo, la comisaria de la exposición Semíramis González y el comisario e investigador Christian Alonso pretende examinar las complejas narrativas que caracterizan el cuerpo de trabajo de la creadora, así como las estrategias poéticas individuales y colectivas presentes en su práctica performativa. 

Coordinación: Chiara Sgaramella (Universitat Politècnica de València) 

En el marco del proyecto I+D Visualidad y geoestética en la era de la crisis ecosocial (VIGEO) - PID 2022-139211 OB-100

Crédito imagen: Ríos de gente de R.J. Galindo, fotografía de Juan Esteban

Conocida también como Tinta Fina, con ella descubriremos una nueva propuesta de la narración y del cómic.

A partir de 6 años

La performance será del jueves  13 a las 23:50 a las 7:00 del viernes 14

Plaza Ramón Berenguer IV (Plaza de la Estación de tren Lleida-Pirineus).

11.45h

Punto de encuentro: Av. de Madrid, 34, 25002 Lleida

Fotografia: Hermína Sirvent. Museu de l’Aigua

11h

Punto de encuentro: Dipòsit del Pla de l’Aigua.

10 h

11.30h 

Este taller, dirigido a los niños, explora y promueve la autonomía corporal, el autocuidado y la expresión personal más propia, mediante el juego, la ficción especulativa y la fantasía —o, como le gusta más nombrarla a Personaje Personaje, la ficción radical para futuros posibles.

Cabayo toma como punto de partida la siguiente afirmación: cuando a un niño le devolvemos el cuerpo y le hacemos saber que su cuerpo es suyo, a través de esta noción de autonomía estamos previniendo una serie de violencias estrictamente ligadas entre sí: la violencia intrafamiliar o en el hogar, el abuso sexual infantil y el asedio escolar o bullying.

Este taller es un ritual, un juego y un reclamo para la reapropiación del cuerpo, sus potencialidades y la seva agencia. En él cuestionamos la hegemonía de la mirada y los espejos, para profundizar y recuperar otras formas de percepción de la propia corporalidad y de la relación amb unes altres, así como con nuestro entorno y lo que lo habita. Cabayo es un ejercicio implicado y compartido para recuperar el cuerpo; es una actividad sobre el reclamo tanto del espacio propio-íntimo como del espacio externo-público.

Esta actividad participativa está planteada desde una perspectiva anticolonial y lúdica. Es un territorio fértil para la fantasía y lo sensible en el que se promueve el (auto)cuidado, la recuperación de la autonomía corporal y la relación intimidad-comunidad para la prevención del maltrato infantil y de la violencia sexual, a partir de un espacio basado en lo lúdico y la ficción especulativa como herramientas prácticas.

Aquest taller está concebido para la asistencia exclusiva de niños —sin la  presencia de adultos—, que estarán acompañados por el equipo del Centre d’Art La Panera.

Centre d’Art La Panera – Espai 1

19h 

Como comisario del Xposed Queer Film Festival, he seleccionado 5 cortos que de una forma u otra siento que dialogan con mi propia práctica artística. Todas ellas son películas que manifiestan, a través de historias en primera persona, el deseo y la necesidad de crear lazos estrechos tanto con nuestros antepasados, familiares o amantes, como con nosotres mismes. Es mediante el hallazgo de una serie de objetos -fotografías, películas, dildos o canciones- que se abren portales hacia nuevos imaginarios y futuros por devenir. Objetos o gestos que, al igual que magnetos o talismanes, detonan el impuslo creativo, guiando cada una de estas producciones audiovisuales.

En "Neo Nahda", una joven londinense encuentra fotografías de mujeres árabes travestidas en los años veinte. A medio camino entre sus fantasías y la realidad, emprende un viaje para descubrir historias perdidas y su propia identidad. "Grandmamauntsistercat", construida a partir de material de archivo originalmente utilizado como herramientas didácticas y propagandísticas en la Polonia comunista, nos acerca a Baba Yaga, una figura clásica que encarna a una bruja eslava. En "Will You Look At Me", un joven regresa a su ciudad natal con una cámara Super 8, capturando su entorno más cercano y un acercamiento con su madre. En “Dildotectonics”, Rebeca, intenta crear una colección de dildos de cerámica no fálicos, mientras la historia de Josefa, perseguida durante la Inquisición, se cruza de manera inesperada. "Valery Alexanderplatz" nos lleva en un viaje musical desde la canción de Battiato "Alexanderplatz" hasta "Valery" de Alfredo Cohen, sumergiéndonos en la fascinante vida de la protagonista, quien a través de memorias nos acerca a los tumultuosos años 80 berlineses y a un presente bañado de serenidad espiritual.

Neo Nahda

May Ziadé, UK, 12‘, 2023

Inglés con subtítulos en castellano

Grandmamauntsistercat

Zuza Banasińska, Países Bajos/Polonia, 23’, 2024

Polaco con subtítulos en castellano

Will You Look At Me

Shuli Huang, China, 20', 2022

Mandarín con subtítulos en castellano

Dildotectonics

Tomás Paula Marques, Portugal, 16’, 2023

Portugués con subtítulos en castellano

Valery Alexanderplatz

Silvia Maggi, Alemania/Italia, 28', 2023

Italiano con subtítulos en castellano

11.30h

Taller familiar a cargo de la ilustradora Elisa Munsó, con quien pondremos en práctica su proceso creativo y la práctica del retrato y el autorretrato. Elisa nos acompañará, a través de distintas propuestas y materiales, a representar a nuestra familia. Sus estrategias creativas harán que nos situemos en nuestra sociedad desde el yo como individuo y desde el nosotros como familia.

11.30h

En esta ocasión, de la mano de Mertxe París, vamos a disfrutar de una sesión de narración oral para niños y familias, en el contexto de la exposición «¡Oh! Un retrato», de Elisa Munsó. Esta propuesta expositiva acoge 34 ilustraciones de varias personas pioneras en nuestra sociedad que han cambiado y marcado la historia del siglo XX y de la actualidad; personas apasionadas de la vida que, ya sea por sus inventos, descubrimientos o hechos personales, han generado un cambio que actualmente ya se ve en nuestro día a día. Descubriremos nuevas aportaciones a varias ciencias y disciplinas, como la astronomía, la informática, la música, el cine, el deporte, el dibujo, la ilustración, el cómic, la medicina, etc. En el suelo encontramos los nombres de estas personas; leyéndolos, podemos identificar algunos de sus retratos.

Mesa de pensamiento en torno a la noción de cuerpo ausente/cuerpo presente en las artes y presentación del catálogo Abel Azcona. Mis familias. 1988-2024 editado por Estudio Ponce Contreras. 

Con Laia Manonelles, Pol Guasch y Abel Azcona. Moderado por el curador Víctor Ramírez Tur.

La Dra. Laia Manonelles Moner, profesora del Departamento de Historia del arte de la Universidad de Cádiz. Barcelona, centra su investigación en el arte procesual y socialmente comprometido. Ha co-comisariado la exposición Politizaciones del malestar, procesos creativos y experiencias compartidas (2017) y ha co-editado –con Nora Ancarola y Daniel Gasol- la publicación Politizaciones del malestar Derecho a la angustia. El arte y los procesos creativos como instrumento para canalizar el malestar (Rayo verde, 2017), que obtuvo el premio de Crítica de la ACCA en 2017. Al mismo tiempo, ha impulsado el archivo digital online: "Politizaciones del malestar" (http:// polititzacionsdelmalestar.org). También ha comisariado la exposición fotográfica Construyendo China: visiones de una transformación, en el Instituto de Estudios Ilerdenses (2010), y es la autora de los libros Arte experimental en China, Conversaciones con artistas (Ed., Barcelona, 2011) y La construcción de la(s) historia(s) del arte contemporáneo en China, conversaciones con comisarios, historiadores y críticos (Ed. Gimenells, 2017).

Pol Guasch se graduó en Estudios Literarios en la Universidad de Barcelona, es máster en Construcción y Representación de Identidades Culturales y en Teoría, Literatura y Cultura Contemporánea (King's College London). Cursó asimismo el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Ha sido profesor asociado de Literatura y Crítica de la Cultura en la Universidad de Barcelona y, actualmente, forma parte de la productora cultural La Sullivan. Es autor de la novela Napalm al cor (premio Libros Anagrama, 2021) y de los libros de poesía Tanta gana (premio Francesc Garriga, 2018) y La part del foc (premio López-Picó, 2020).

17 - 20 h

En el marco de la exposición «Abel Azcona. Mis familias 1988-2024» encontramos un acto íntimo y performativo en seis actos mediante la conversión del espacio museístico en un lugar de resolución de conflictos familiares. La totalidad de las obras de Azcona se activan como procesos performativos en diferentes etapas. De esta manera, el artista, mediante documentos, objetos, palabras, cuerpo y la instalación, marcará su cuerpo de manera permanente con el número otorgado en su proceso de abandono y adopción para borrar su propia identidad; conocerá por vez primera a su hermana abusada y maltratada como él; recibirá y leerá cartas de galeristas, artistas y otros agentes artísticos que han cuidado durante sus veinte años de creación, desde el acto de limpiarle en momentos de inconsciencia hasta acompañarlo en procesos de drogadicción extrema; buscará y llamará a su madre o a la figura imaginada de la misma; abrazará a la madre de tela blanda que encargó como sustitución de la suya propia ante el sentimiento de abandono, o resolverá y activará una nueva etapa ante la aparición de la posible madre biológica.

16-20h

Abel Azcona reconstruirá en el Centro de Documentación de la Panera su línea biográfica partiendo de sus publicaciones y de su recorrido vital, centrándose en los sucesos más violentos y compartiendo algunos episodios de especial intimidad.

La propuesta pretende colectivizar su dolor, abriéndose y dejándose afectar por las experiencias del público asistente. Del mismo modo, se hará hincapié en la necesidad de pensar modos para responsabilizarnos de las violencias sistémicas.

Con la colaboración del artista Antonio Portillo Carbonell y de las asistentes se desplegará en una de las paredes del Centro de Documentación esta reconstrucción biográfica y colectiva que permanecerá expuesta hasta el final de la exposición.

Antonio Portillo es un artista multidisciplinar residente en Valencia. Portillo estudió Bellas Artes en la facultad de San Carlos en Valencia y completó el Máster en producción artística hace cinco años. Su obra se basa en experiencias vitales . Principalmente centrado en el cuerpo como referencia. El proyecto final del máster muestra el desarrollo de una serie de piezas escultóricas relacionadas con las dependencias y sufrimiento que dificultan la  movilidad del cuerpo debido a agentes externos y al deterioro del propio cuerpo a lo largo del tiempo. Actualmente está trabajando  en varios proyectos relacionados con la ausencia del cuerpo, tras la muerte de un miembro de la familia en el que se experimentan con la idea de vacío y plenitud, mediante el propio cuerpo del artista a través de la acción y de la escultura.

Jueves 14 de diciembre, 15-16 h (Lleida), 8-9h (Bogotá)

Brigitte Baptiste es bióloga de la Pontificia Universidad Javeriana y rectora de la Universidad EAN, de Bogotá. Cursó el máster en Conservación y Desarrollo Tropical de la Universidad de Florida. Además, es doctora en Gestión Ambiental por la Universidad Internacional de La Paz (Unipaz). Durante los últimos diez años ha ejercido como directora general del Instituto de Investigación de Recursos Biológicos Alexander Von Humboldt, y desde hace un año, como miembro del Consejo Superior de la Universidad EAN. el Grupo de Trabajo en Conocimiento Indígena y Local y el Grupo de Trabajo en Herramientas y Metodologías de Política. Es miembro del Comité Asesor de Política Científica (Science Policy Advisory Committee) de la Iniciativa Ambiental Interamericana para el Cambio Global (IAI) y del comité científico del Programa sobre el Canvio de los Ecosistemas y la Sociedad (Programme on Ecosystem Change and Society). A partir del 2018 propuso la visión de la «ecología queer», que desarrolla la idea de la naturaleza como un escenario abierto para la transgresión y el progreso de visiones no convencionales, con la finalidad de que los procesos de la fauna y la flora no pasen desapercibidos bajo una visión homogénea.​

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Dos sesiones: sábado 18 de noviembre (10-14 h) y domingo 19 de noviembre (11-14 h). Gratuito con inscripción previa: infolapanera@paeria.cat.

La Erreria (House of Bent) es un colectivo fundado en el año 2009 por Graham Bell Tornado y Anna Maria Staiano en Játiva. Su práctica ecléctica y experimental incluye procesos colaborativos, videoarte, performances, música, escultura corporal, obra gráfica y literatura. Sus intereses principales son las políticas (trans)género, ecologistas y feministas.

En este taller nos harán una breve introducción a los conceptos de ecología queer y ecotransfeminismo. Después los pondremos en práctica y les daremos forma y visibilidad, por un lado, a modo de pancarta textil a partir de la reutilización de retales de ropa cosidos a mano y, por otro lado, a través del dibujo y la práctica del cadáver exquisito. Crearemos así una serie de figuras híbridas entre lo humano, lo animal y la tecnología. Con ellas viviremos un proceso colaborativo y artístico.

La Erreria (House of Bent) es un colectivo artístico fundado en 2009 por Graham Bell Tornado y Anna Maria Staiano en Játiva. El colectivo ha llevado a cabo proyectos de arte comunitario, performance, vídeo y editoriales, desde una perspectiva (trans)género, ecológica y feminista. Si al principio su actividad se concentraba en la casa museo de Játiva que gestionaban, donde hacían exposiciones, actividades y visitas guiadas, ahora La Erreria es un proyecto encarnado e itinerante. Entre sus proyectos destacan las exposiciones «Eco_Gender / Eco_Género» (2010), «Queering el Archivo Nacional» (2018), «#ecoqueerplanet» (2022), el proyecto participativo de drag queen radical La Coronación y la xarxa de parcs P.I.N.Q. (Post Industrial Natural Queer), que se han establecido en Valencia, Madrid, Bilbao, Barcelona y La Gomera (Canarias). Página web: https://erreriahouseofbent.com/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Sábado 20 de enero de 2024, 17.30 h.

Ona Bros no tiene ninguna vinculación genética con el ser que gestó y parió. Tomando como punto de partida esta circunstancia, inició el proyecto de investigación de largo plazo y aún en curso BetaBlastoCuir, donde analiza críticamente los discursos alrededor de la genética en busca de otros referentes, relatos e imaginarios. BetaBlastoCuir es un conjunto de materiales para otra imaginación en diversos formatos, como vídeo, instalación, conferencia performativa, texto, sonorización, talleres, encuentros y prácticas sensibles en el campo de las artes en vivo.

Desde que nació su hija, Ona Bros desarrolla un proceso a caballo de la investigación y la introspección, un ejercicio de escritura sostenido en el tiempo que combina el diario en primera persona y la bitácora de lecturas, notas e intuiciones de exploración. De esta manera hace eclosionar conglomerados poéticos o alegóricos para pensar el lugar, la práctica y la condición materna y los parentescos desde otros lugares, con otras imágenes y usando otras palabras.

Ona Bros (la Fuliola, 1977) es una artista e investigadora que entiende las imágenes como catalizadores de complejidades semiótico-técnico-materiales. Trabaja desde una práctica situada, una manera de habitar queer y una sensibilidad transfeminista. Mediante la fotografía, el vídeo, la escritura y las artes en vivo, el artista relaciona conocimientos distantes e interroga el tabú en busca de narrativas que fracturan el presente. Partiendo de una experiencia gestacional no genéticamente vinculante, investiga los discursos alrededor de la ciencia genética en el context de los biomercados globales de la reproducción asistida. Bros está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (UB), graduada en Fotografía por la Universidad Politécnica de Cataluña i máster en Producción e Investigación Artística por la UB. Su trabajo se ha mostrado en Noguereas Blanchard, La Casa Encendida, Sociología Ordinaria (Museo Reina Sofía), el Dutch Art Institute d’Arnhem, el Hemispheric Institute of Performance and Politics de Nueva York, Hangar, Hamaca, La Caldera o el MACBA. Es cofundadora de los proyectos colectivos Institut d’Estudis del Porno (IEP) y FUGA (plataforma cooperativa de investigación alrededor de las imágenes). Página web: http://ona-bros.net/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Sábado 27 de enero de 2024 a las 17.30 h.

«Formas de la no_visión» es una performance que forma parte de un proyecto de investigación, producción y experimentación, que indaga maneras de incluir la diversidad en el ámbito cultural y artístico basándose en los parámetros del diseño universal. La artista parte de la pregunta siguiente: «¿de qué manera la danza, siendo una técnica esencialmente visual, puede formularse sin tener en cuenta el sentido de la vista?». La intención es abrir un espacio de debate sobre las posibilidades o imposibilidades que genera el hecho de no ver.

El proyecto se hace eco de los estudios de la discapacidad (disability studies), un campo de estudio transdisciplinar que combina una crítica de los modelos corporales normativos y advoca por nuevas formas de ser, sentir, pensar y actuar. Abandonando el sentido de la vista como el medio privilegiado para percibir el mundo, la artista cuestiona la invulnerabilidad del subjeto transcendental, universal y soberano, y se centra en explorar otras realidades perceptives, relacionales y corporales. Los estudios de la discapacidad se alían con el activismo queer, ya que, en lugar de normalizar las identidades, aspiran a liberar los cuerpos de toda fuerza normativizadora.

Aina Mestre (Aitona, 2000) es una artista multidisciplinar, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Su trabajo se centra en las políticas multifacéticas de la mirada a través de una práctica performativa. En particular, se interesa por las transformaciones corporales, sensoriales, semióticas y materiales que suceden cuando la vista pierde el protagonismo y deja de concebirse como la única fuente de disfrute estético. La investigación de otros procesos de creación bajo esta conjetura implica que tanto la artista como el público interactúen con la obra corpóreamente y mediante el uso de otras percepciones o sentidos.

Con la colaboración de ONCE Lleida

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.

Conversa/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes.

Dos sesiones. Primera sesión: sábado 13 de enero de 2024, 11 h. Segunda sesión: sábado 20 de enero de 2024, 11 h.

Gratuito con inscripción previa: infolapanera@paeria.cat.

Si en la concepción de tu hijx ha intervenido material genético de donantes, ¿cómo has pensado explicarle su historia?, ¿con qué palabras?, ¿en qué momento?, ¿con qué imágenes?, ¿con qué materiales? Y, fuera de vuestro núcleo, en la escuela, por ejemplo, ¿cómo lo explicas? ¿O prefieres que sea una historia discreta entre vosotros? ¿Cómo explicas el rol del vínculo genético? ¿Qué diferentes espectros lingüísticos, relacionales o legales estáis habitando? ¿Y cuáles os gustaría construir?

«Las comunidades de hielo» se plantea como un encuentro/conversación/taller dirigido a personas involucradas en procesos de crianza y/o con hijxs en cuya fecundación ha intervenido material genético de donantes (óvulo, esperma o embrión), ya sea a través de clínicas, ya sea con otros medios autogestionados. El taller propone analizar los cuentos infantiles existentes que tratan estas cuestiones para hacernos preguntas complejas e imaginar, si es preciso, otras historias posibles.

Habrá un espacio para les niñes cuidado por miniPanera.

«Las comunidades de hielo» es un espacio respetuoso con la intimidad de cada persona.

Las comunidades de hielo es un espacio convocado por Ona Bros como parte del proyecto de investigación artística BetaBlastoCuir, iniciado a raíz de su propia experiencia gestacional.

Ona Bros (la Fuliola, 1977) es una artista e investigadora que entiende las imágenes como catalizadores de complejidades semiótico-técnico-materiales. Trabaja desde una práctica situada, una manera de habitar queer y una sensibilidad transfeminista. Mediante la fotografía, el vídeo, la escritura y las artes en vivo, el artista relaciona conocimientos distantes e interroga el tabú en busca de narrativas que fracturan el presente. Partiendo de una experiencia gestacional no genéticamente vinculante, investiga los discursos alrededor de la ciencia genética en el context de los biomercados globales de la reproducción asistida. Bros está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (UB), graduada en Fotografía por la Universidad Politécnica de Cataluña i máster en Producción e Investigación Artística por la UB. Su trabajo se ha mostrado en Noguereas Blanchard, La Casa Encendida, Sociología Ordinaria (Museo Reina Sofía), el Dutch Art Institute d’Arnhem, el Hemispheric Institute of Performance and Politics de Nueva York, Hangar, Hamaca, La Caldera o el MACBA. Es cofundadora de los proyectos colectivos Institut d’Estudis del Porno (IEP) y FUGA (plataforma cooperativa de investigación alrededor de las imágenes). Página web: http://ona-bros.net/.

Actividad vinculada a la exposición «Ecologías queer. Aberraciones naturalmente subversivas», a cargo de Christian Alonso. Centre d’Art La Panera, 28 de octubre de 2023 - 28 de enero de 2024. Espai 0.