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Joan Codina trabaja desde Guissona, en el corazón de la Segarra. El paisaje de estas tierras de secano forma parte de sus acciones, que toman el texto como herramienta para hacernos reflexionar sobre unos entornos a veces olvidados. Nos recuerda que estos parajes los podemos contemplar gratuitamente a pesar de que vivimos en un mundo gobernado por el consumismo rampante. También nos invita a degustar los frutos de estas tierras pero, desde la ironía y la mordacidad, nos dice que no todo es comestible: las piedras, como las almendras, a veces pueden ser amargas. Igualmente, la palabra acompaña a sus hombres decapitados, malheridos, atormentados, confundidos, inquisitivos…, que en el fondo nos retornan una imagen de nosotros mismos. A veces nos pueden herir, pero es una punzada que activa directamente el pensamiento. Son seres que reflexionan sobre la vida, el arte y las miserias humanas. Siempre desde la simplicidad: trazo negro sobre blanco, igual que las grafías antropomórficas que se extienden en largas hileras por dibujos, pinturas y esculturas de Benet Rossell, que paseó una algarroba por Nueva York y plantó una almendra megalítica en la plaza del Escorxador de Lleida.

Licenciada en bellas artes y comunicación audiovisual por la Universidad de Barcelona (UB). Estudió el Máster en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, también en la UB, donde ha ejercido de profesora de comunicación y magisterio. En su trabajo artístico trabaja de una forma interdisciplinaria utilizando el vídeo, principalmente, a través del cual explora temas como los feminismos, las relaciones personales y aquello que permanece en la periferia. También le interesa trabajar con la literatura y el cine.

Sus últimas exposiciones han sido en Barcelona y Madrid, además de Quito (Ecuador), con la exposición en grupo «In search of global poetry», en el Centro de Arte Contemporáneo. Sus trabajos se han podido ver también en Reino Unido, Túnez y Bélgica.

En la actualidad es artista residente de los estudios de postgrado de la escuela HISK (Hoger Instituut Voor Schone Kunsten), en Gante (Bélgica).

Este año, Animac hablará de la memoria, los recuerdos, el pasado, el tiempo vivido…

Como acostumbro a hacer, empiezo a trabajar con alguna técnica que hace tiempo que no practico. En esta ocasión, tenía ganas de pintar, pintar con pinceles sobre papel, mezclar y preparar colores con acrílico, y también usar acuarela y todo tipo de experimentos plásticos. Era un plan para mantenerme lejos del ordenador.

No suelo mirar atrás, pero ahora no podía huir de este ejercicio. Intenté recordar mi infancia. Me dibujé rodeado de mi familia como si estuviéramos en una película de Woody Allen. Seguí adelante, intentando rascar en mi mente buscando alguna experiencia vivida capaz de elevarse a la categoría de imagen para cartel de animación. Poco a poco abandoné esos momentos vividos para pensar en aquellos objetos aparentemente intrascendentes que nos conectan directamente con algún momento de nuestra vida. Ahora mi trabajo se acercaba a la naturaleza muerta: una postal del monte Fuji, un zapato de mujer, la figurita de plástico de un indio a caballo, un sombrero de hombre…

Todo eso no estaba mal, pero siempre tengo la necesidad de representar algún ser vivo en mis carteles. Es lo que a veces hemos llamado con Carolina López, directora de Animac, «el factor humano».

Así que, de nuevo, cambié de perspectiva y me encontré finalmente con el cartel de este año. Pero esta vez, el ser es una forma azul que tan solo se insinúa. Se podría decir que es una imagen abstracta. El primer cartel no figurativo de Animac.

Mi memoria está hecha de pequeños fragmentos. Supongo que es parecida a todas, pero desgraciadamente con más espacios vacíos que otras. Los fragmentos gravitan sobre el espacio manteniéndose a cierta distancia. Todos estos fragmentos son mi cápsula del tiempo.

Carles Porta

Desde el año 1986 se dedica a la docencia en la Escuela Municipal de Bellas Artes de Lleida (actual Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol), de la que fue director entre los años 1995 y 2000. Sus trabajos en el mundo de la creación artística incorporan diferentes disciplinas: pintura, dibujo, fotografía, vídeo, tecnologías digitales y música. Entre 1986 y 2000 participa en la organización de las diferentes ediciones de las Becas Entrega que otorga la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Lleida a los nuevos creadores; dirige la programación artística de la galería Periferiart y de las salas de exposición municipales del Roser y Sant Joan, y lleva a cabo funciones de codirector de la Muestra de Cine de Animación de Lleida Animac. Sus trabajos han recibido la ayuda para la creación artística y el pensamiento contemporáneo de la Generalitat de Catalunya.

Nace en Lleida en 1985. Con veinte años decide trasladarse a Córdoba para estudiar técnicas artesanales tradicionales. En Granada recibirá un diploma como técnico de restauración de bienes inmuebles. Gana una beca que le permite viajar y trabajar en Florencia. Al volver a Granada, empieza los estudios de bellas artes, que finalizará en Valencia. Una vez terminada la carrera, pasa dos años en los Emiratos Árabes trabajando como escultor. Actualmente, vive entre Lleida y Valencia.

Paula Artés utiliza la fotografía como excusa para plantear cuestiones sobre los límites de las instituciones, los sistemas de control que condicionan la vida diaria de la población y las relaciones de poder. Actos que ejerce de forma muy conmensurada a medio camino del fotodocumental y la investigación, que tiene el objetivo de estudiar y establecer los límites de estos mismos elementos, a partir de diferentes estrategias como la invisibilidad de los espacios y dispositivos de control, los sistemas de seguridad, ya sean públicos o privados, y reflexionar y visibilizar lo que no solemos ver, aquello a lo que pocas personas tienen acceso. Para ello, y a través del terreno social, político y económico, Artés analiza la invisibilidad como estrategia para explorar las paradojas de los espacios de control ocultos y cómo subvertir, desarmar y cuestionar su veracidad.

En este sentido, Forces i cossos (2018) es el último trabajo de investigación, que trata la invisibilidad de la Guardia Civil en Catalunya, en el que la artista muestra desde dónde nos controlan y dónde no tenemos acceso. La Guardia Civil es un cuerpo policial que en Catalunya sabemos que existe, pero no vemos nunca; no se sabe que sigue operando en Catalunya. Tampoco sabemos cuál es su función. Por eso, Artés habla de la invisibilidad como control: cuando estos cuerpos de seguridad son invisibles es cuando son operativos; son invisibles para tener el control. Un trabajo de largo recorrido que la ha llevado a visitar todos estos lugares inaccesibles para el resto de población, accediendo a ellos y cuestionándolos, para, posteriormente, objetar de forma colectiva.

Con este proyecto ha sido seleccionada en Descobriments PhotoEspaña, Encontro Artistes Novos, SCAN Photobooks, Photogenic Festival, Unseen Dummy Award de Ámsterdam y FIFTijuana de México, y, con otros proyectos, en la Sala d’Art Jove y Viphoto. Estas últimas semanas la artista ha lanzado un micromecenazgo en Verkami para llevar a cabo la edición del libro.

La práctica artística de Yannick Sánchez es el resultado de una actitud ante la vida en la que el objetivo principal es la reivindicación del ocio, el tiempo libre más auténtico.

De esta forma, lo que se propone son alternativas a una vida que estigmatiza al perezoso, ja sea porque lo entiende como la única vía hacia el éxito personal, porque la ociosidad produce felicidad o sencillamente porque es la mejor herramienta contra un sistema que oprime. A partir de estas premisas, Sánchez traza parábolas entre diferentes lenguajes mediante lo absurdo, lo kitsch, la broma fácil, la ocurrencia, de la misma forma que trabaja desde diferentes registros y géneros como el literario, el audiovisual o el objetual.

Cosas que hacer antes de morir, o para vivir tranquilo, o para morir tranquilo, o para… hacer cosas, simplemente es un proyecto artístico que se presenta a modo de bucket list, que viene a ser algo parecido a una lista de cosas pendientes, o incluso, en un terreno más vital, una lista de cosas que hacer antes de morir.

Esta lista la componen 25 objetivos que son, supuestamente, algo interesante, y concebidos para desarrollarse durante lo que en nuestra cultura occidental se conoce como tiempo de ocio, o lo que realizamos en nuestro tiempo libre. Siempre desde el juego, la ironía, la parodia mordaz, se parecen —salvando las distancias— al azar, los juegos, el humor y el tono burlón que desprendía el gran Joan Brossa.

Desde muy pequeño, Jordi Jové dibujaba en hormas y paredes de masías con carboncillos que encontraba entre las cenizas de las hogueras que habían servido para quemar los restos de poda del invierno. También, con la ayuda de una pluma de las gallinas del corral, bien afilada con la navaja, y un dedal de tinta china, reseguía los contornos de Montmaneu, las tapias que rodean la casa solariega y la silueta del pueblo de Seròs, dominada por la iglesia barroca de Santa Maria, que observaba desde Roques de Sant Formatge o desde el Castell.

Lleida, Barcelona, el sur de Francia y recientemente China han sido los escenarios que han nutrido sus obras. Sin embargo, Seròs siempre está latente bajo sus dibujos, pinturas, acuarelas y fotografías. Es como Àger para Benet Rossell, Mont-roig del Camp para Miró o Horta de Sant Joan para Picasso. Jordi Jové siempre vuelve a los paisajes de la infancia.

Igualmente, su prolífica trayectoria está marcada por otras idas y venidas de orden estilístico: tránsitos y fluctuaciones entre la abstracción y la figuración. Una polaridad que en el contexto leridano también se dio en Leandre Cristòfol, que tanto podía plantear un ensamblaje poético y surrealista, como Nit de Lluna (1935), como tallar una escultura figurativa, como La pensativa (1936). Igualmente, Jové se entregaba al acto creativo sin complejos, unas veces cargado de referencias y préstamos (literarios, pictóricos, extraartísticos…), otras veces desde el más puro automatismo, desde el salto al vacío. Pinta sin pesares ni complejos, virtuoso en el dibujo y hábil en la aplicación del color; aparentemente hace fácil lo difícil. Aun así, sus obras no están exentas de dificultades. Desde la incertidumbre busca respuestas en el cuadro y en el papel; a veces se aproxima, otras desbarra y se precipita por el abismo de la pintura. En estos puntos críticos, recula, superpone capas, deja descansar la tela, le da una segunda o tercera oportunidad, que en ocasiones llegará y en otras se hará esperar.

Ha estudiado bellas artes y enfermería. Actualmente, trabaja como enfermera a la vez que realiza proyectos artísticos en los que relaciona ambas prácticas. Los temas centrales de interés de su praxis son: el cuerpo y su representación, la institucionalización terapéutica, las políticas y la ética de los cuidados. Los proyectos que realiza se desarrollan siempre entorno a dos ejes: el teórico, mediante la investigación y el ensayo, y el práctico, a través de la fotografía, el audiovisual y la literatura. Transversalmente, también trabaja en otros ámbitos de interés más íntimos y esporádicos como la performance o la poesía.

Artista residente en Experimentem amb l’Art (Barcelona), en los últimos años ha desarrollado los proyectos Traven/Grothendieck, con David Ferragut (Premio de Investigación Sala d’Art Jove 2017), y Maniobres d’evasió, con Míriam C. Cabeza (Beca de Educación Sala d’Art Jove 2015). En cuanto a la obra, recientemente ha realizado la pieza de vídeo Mans invisibles (Premio Festival Embarrat - Museu Trepat 2019), ha obtenido la Beca Arte y Naturaleza a la Creación con el proyecto L’aigua que murmura / encants me conta y ha participado en la 7a edición del Aplec Saó con la intervención sonora Cordill de so. Durante el curso 2019-2020 participa en el programa En Residència - Creadors als instituts de Barcelona, en el Instituto Jaume Balmes. Su último trabajo es L’aigua que murmura / encants me conta, un proyecto a caballo entre la literatura, el vídeo y la performance que ha realizado durante su estage de dos meses en el CAN Farrera (Pallars Sobirà), gracias a la Beca Arte y Naturaleza a la Creación 2019 que da anualmente la Panera de Lleida.

L’aigua que murmura / encants me conta parte de un gesto: murmurar historias a la tierra. A partir de esta acción, explicada a la artista por parte de su abuela cuando era pequeña, se establece una relación entre las historias personales y las del paisaje. El trabajo artístico consiste en recopilar hechos sucedidos alrededor de Farrera (explicados por sus vecinos o vividos durante el estage en el CAN) y confrontarlos, a través del vídeo, con imágenes y sonidos procedentes de la naturaleza. La intención principal del proyecto es centrarse en el proceso relacional que se establece entre el lenguaje de la naturaleza y el del humano, la memoria y el olvido, el habla y la escucha, y facilitar un retorno a aquello que proviene de la tierra y el lugar. Un diálogo que pretende perseguir la relación entre memoria y paisaje, entrelazada por la condición fugaz y efímera de ambas.

Durante su estage en el CAN Farrera, donde desarrollaba su Beca Arte y Naturaleza a la Creación, participa en la 7a edición del Aplec Saó - Festival d’Arts i Natura del Pirineu (www.aplecsao.cat) con la intervención sonora Cordill de so.

Cordill de so consiste en un itinerario por las afueras del pueblo de Farrera a través de los ecos de un sonido que conducen al lugar de su procedencia. Los sonidos toman forma a través de las palabras que intentan interpretar la posibilidad del silencio. Una vez en el lugar de donde surge el sonido, se explica la relación que se establece entre el silencio del paisaje y lo que ello evoca. La obra está enmarcada en el proyecto L’aigua que murmura / encants me conta (Beca Arte y Naturaleza a la Creación 2019). La pieza es una intervención en la naturaleza que toma como punto de partida la escucha de los sonidos que se producen en un lugar aparentemente silencioso. En contraposición con la ciudad, se concibe la naturaleza como un espacio donde impera la quietud y la ausencia de ruidos o, por lo menos, estos tienden a pensarse como suaves y delicados, poco invasivos. Pero si se pone atención a cada mínimo detalle sonoro, fácilmente se llega a la deducción de que la naturaleza se compone de miles de sonidos que rompen su ideal silencioso. Oímos a los árboles y las hojas y los riachuelos cuando estamos cerca de ellos, de lejos podemos oír algún trueno o el inicio de una lluvia; todos ellos, murmullos de la Tierra. Si las personas explicamos historias a través de las palabras, la naturaleza también puede tener esta voluntad a través de su sonoridad. Cordill de so es una acción que pretende reflexionar sobre la representación de la narrativa de los elementos naturales a través de sus sonidos. La última presentación pública de 2019 es la serie fotográfica Enllitada, presentada en el Institut d’Estudis Ilerdencs (IEI) en el contexto del Larva 2019, Bienal de Arte Contemporáneo de Lleida.

Enllitada es un trabajo fotográfico alrededor de la idea de permanecer en la cama a partir de la búsqueda de expresiones populares catalanas. Se han extraído diferentes significados del vocablo llit, tanto en un sentido espacial como material, incapacitante o placentero. El trabajo fotográfico se convierte en un ensayo visual en alusión al concepto hospitalario de «acostado»; sobre la implicación del cuerpo en reposo, la imposibilidad de moverse, la indisposición o la corporeidad de la cama como metáfora de los desemejantes estados que puede implicar.

Agnès Pe trabaja en base al sonido de los materiales, los conceptos y proyectos que ella misma genera. Su práctica artística va más allá de los límites que proporciona cualquier género o teoría —siempre bajo una actitud abrumadora y una visión del exceso: todo o nada, y mediante los parámetros de la apropiación, el radical listening, el aspecto digital y la plunderphonía. En sus procesos de trabajo explora nuevas formas de relación con los elementos que recompone e intenta desvirtuar o alterar los códigos normalizados, a partir de transformar la forma perceptiva de la vida cotidiana, en un intento de subvertir el consenso general sobre la «realidad» a través de la ruptura y recontextualización de los códigos formales.

Actúa bajo una premisa antropológica y considera una gran influencia su educación en los espacios y tradiciones rurales, así como las estéticas que se generan en los márgenes del establishment, ya sean en línea (online) o fuera de línea (offline), entendiendo estas sociedades como organizadores de comunidades. Le interesan los referentes culturales extremos, sea cual sea su etiqueta y referencia, y el aprendizaje y los recursos de las investigaciones autodidactas y pluridisciplinares con la finalidad de evidenciar dispositivos.

Licenciada en comunicación audiovisual (UPV, Valencia) y especializada en cine, radio y televisión, cursó el Máster de Comunicación Social (UPF, Barcelona), en el que se especializó en media psychology y medios digitales. Su constante investigación académica y no académica la ha llevado a residir en ciudades como Valencia, Bilbao, México DF, Barcelona, Madrid o Buenos Aires. Ha realizado conciertos en Tabakalera (San Sebastián), MACBA (Barcelona), CA2M (Móstoles, Madrid), Larraskito (Bilbao) o Centre Azkuna (Bilbao), y ha editado discos en discográficas digitales (netlabels) y sellos internacionales. Una constante investigación autodidacta en musicología la ha llevado a celebrar numerosas sesiones de audiciones y conciertos en varias ciudades, y a participar asiduamente en el festival de música extraña Zarata Fest (Bilbao).

En cuanto a la faceta cinematográfica, hay que destacar la ficción documentada TORRE (2012), exhibida en diferentes festivales y programas de cine experimental: Cinema per Venir (Valencia), Fisuras Fílmicas (Murcia) o Pantalla Fantasma (Bilbao). En 2017 se le otorgó la beca de residencia e intercambio de El Ranchito-Argentina (Matadero Madrid - AECID) por No matéis a Juang Fu, un proyecto de investigación en bazares de productos chinos. Actualmente, conduce el espacio radiofónico Mitt paté en Radio On (Berlín).

Como fotógrafo, empiezo mis proyectos partiendo de una intuición interna. Cada proyecto funciona como un medio para intentar esclarecer esta abstracción inicial.

Hallo en la fotografía el medio ideal para dar apoyo a este proceso cognitivo que apunta a traducir lo intangible EN AQUELLO QUE ES tangible.

Las imágenes funcionan como un puzle que juega con las piezas descontextualizadas de la realidad para representar plenamente esta idea de salida. Tanto si el resultado final es una única imagen como si se trata de una serie, nunca escapa totalmente del misterio.

Al final del proceso me quedo solo parcialmente satisfecho, al tratare de un proceso incompleto, el resultado del cual es el mismo número de respuestas que de preguntas. Mi objetivo era capturar en imágenes la esencia urbana para entender completamente por qué la ciudad, en su intento por convertirse en refugio de una naturaleza inhóspita, acabó comportándose como una entidad biológica.

Víctor Vilamajó

El trabajo de Ernest Costafreda comprende diferentes proyectos multidisciplinares que van desde la poesía hasta el dibujo, la moda, la fotografía o la publicidad. Costafreda utiliza unos procesos de trabajo que se enmarcan a partir de una actitud y una estética a medio camino entre el punk, lo poético y la irreverencia, donde la huella y el peso de su paso por el mundo de las tendencias y la moda aún permanecen muy presentes. Desde el cierre de la que fue su marca, Costalamel, dentro del sector de la industria de la moda en el año 2017, Costafreda inicia un retorno a la esencia del viaje y la aproximación a la poesía a través de relatos y narraciones vivenciales, manteniendo una estrecha relación y afinidad con la cultura trash, la contracultura, aunque conservando ciertos clichés —en positivo— que recuerdan su paso por el mundo de la moda.

En este sentido, destacamos dos trabajos: Punks and poets (2018), un proyecto multidisciplinar que abraza diferentes registros de presentación, así como unos referentes claros de la cultura mexicana, como son las conocidas Frida Kahlo y Chavela Vargas, y Poesía de mierda (2019), un libro editado por Stendhal Books que, en palabras del propio autor, «utiliza la poesía para reivindicar el amor frente al miedo». Un trabajo que ha ido llenando de poesía espacios urbanos decadentes de metrópolis, como váteres de Ciudad de México, tanques de obra de Nueva York, cabinas telefónicas de Lima, aparcamientos de Bogotá, camiones de la basura o puertas de casas de La Habana. O, como es el caso de nuestra ciudad, hemos podido ver intervenciones en los lavabos de la Biblioteca Pública de Lleida o en la discoteca Biloba. Un viaje por la memoria del tiempo y un trabajo de largo recorrido que se recoge en 65 poemas ilustrados y diferentes acciones fuera de los circuitos establecidos de las artes visuales y la poesía.

Vive y trabaja en Barcelona. Licenciado en bellas artes y máster en producción artística por la Universidad de Barcelona, su trabajo parte de un intento por redefinir las posibilidades de la pintura figurativa desde una óptica revisionista y de cuestionamiento del propio medio; la pintura como campo expandido que debe leerse como una alegoría sobre lo que significa hoy pintar. Monclús analiza las posibilidades de la pintura desde un interés por los juegos referenciales y una marcada inclinación hacia el accidente en el proceso creativo, lo que confluye a investigar nuevas formas de abordar la pintura figurativa. El error, la decisión, la broma, la anticipación dramática, la búsqueda de otro tipo de anhelo esperanzador o la persecución de fantasías irracionales son puntos de partida del artista que implican un desarrollo en toda una serie de gestas absurdas e improductivas que invita a cuestionar el propio acto y registro pictóricos por encima de aspectos más categóricos como el razonamiento o el peso convencional de nuestra sociedad.

A diferencia de la inmediatez a la que nos tiene acostumbrada la práctica fotográfica actual, Marta Bisbal entiende el lenguaje fotográfico como un espacio pausado, lento y de mirada contemplativa. Una aproximación al entorno más cercano que, mediante movimientos mínimos de los diferentes elementos con los que trabaja —arquitectura, luz, experiencias espaciales—, le permite tomar consciencia de la realidad, el presente y los límites que estos espacios suponen. Movimientos y gestos de bajo relieve —en algunos casos inadvertidos— que ponen en duda al propio medio fotográfico, la percepción humana y al propio acto de mirar. De esta forma, sus proyectos recientes funcionan primordialmente como ensayos conceptuales en torno al registro fotográfico, el estado consciente de los entornos y la exploración de los espacios vitales. Constructos que cohabitan desde el margen de la mirada y desde la invisibilidad como materia prima.

Mediante distintos registros como el vídeo y la escultura o la instalación, el trabajo de Martin Llavaneras refleja su interés por actividades dinámicas que permitan recodificar espacios y definir un uso práctico de la cultura. Sus propuestas se confrontan a partir de nociones prestablecidas como la idea de naturaleza, paisaje o patrimonio, mientras apelan a una interpretación más subjetiva del entorno, a la vez susceptible de ser integrada en la construcción colectiva del conocimiento. Así, sus proyectos recientes son primordialmente ensayos conceptuales en torno a interacciones entre lo que es humano, las infraestructuras biológicas y los saberes compartidos; constructos culturales y contextos que se constituyen y cohabitan siempre desde los márgenes, al mismo tiempo que son materia prima en sus obras a través de objetos y materiales cotidianos. Un trabajo que se mueve entre la escultura y la instalación que, en algunos casos, es efímera, como puede comprobarse en sus obras, pero siempre desde una óptica conceptual, donde la naturaleza y el ser humano ocupan el espacio principal.

La cita que precede a estas líneas pertenece al propio Jordi V. Pou, un artista que ha hecho de la fotografía su medio de expresión. Su aproximación al lenguaje fotográfico siempre ha sido crítica desde un punto de vista formal, conceptual y técnico. Desde un principio ha cuestionado la veracidad y objetividad que se presuponen a la fotografía; de ahí que sus proyectos sean una invitación a un terreno desconocido o nos fuercen a negociar de otra forma con la realidad y con nuestra cotidianidad.

Con Kokovoko nos hizo viajar a un país que no aparece en altas alguno, pero que tiene su propia cartografía y una atmósfera vaporosa y, a veces, asfixiante. En LEO 450-770 interactuó con un satélite para captar toda una serie de acciones en la ciudad de Lleida. En el ámbito técnico fue uno de los pioneros, con toda una legión de artistas internacionales, en promover la iPhonegrafía, un descubrimiento que abrió una nueva vía de interés en su trabajo y que ha terminado influyendo en otros proyectos.

Esta vez ha partido de una pregunta excitante: ¿qué habría pasado si la Guerra Civil la hubieran ganado las fuerzas democráticas? Es más, ¿y si los fascistas nunca se hubieran sublevado contra la República? Las imágenes, como la historia misma, tienen muchos niveles de lectura.

Olivera-Tabeni utiliza unas estrategias de trabajo que le permiten aproximarse a escenarios, conceptos e intereses y apropiárselos, y que le sirven, al mismo tiempo, para organizar sus procesos creativos: los espacios de contradicción, el carácter poético y a la vez doméstico, los saltos en el tiempo, la insumisión de los valores simbólicos, los discursos canónicos o los elementos patrimoniales y naturales. Establece una metodología multidireccional que le permite trabajar la memoria desde diferentes relatos, en los que destacan la presencia y el papel de las mujeres.

«Geografia i Memòria» es un proyecto con el apoyo de la ayuda «Art for Change 2019» de la Obra Social La Caixa, a cargo de Albert Potrony, con el acompañamiento del Centre d’Art la Panera, destinado a residentes, profesionales y familiares de la residencia Balàfia II (Lleida).

A grandes rasgos, el proyecto busca una mejora relacional entre familiares, profesionales y usuarios, a través del arte contemporáneo, para incentivar otras formas de comunicación de las habituales, provocar experiencias que creen una red y empoderen y visibilicen a todos los participantes más allá de los muros de la residencia.

El estallido de la crisis sanitaria de la COVID-19 nos empuja a parar, repensar y compartir, para abordar la complejidad de esta crisis y sus efectos en las personas residentes y profesionales de la residencia.

¿Cuáles son las nuevas necesidades, surgidas tras la pandemia, a las que un proyecto artístico colaborativo, con personas mayores institucionalizadas, puede dar respuesta, en un momento en el que la interacción física no es posible?

Clàudia Rius. Periodista cultural i creadora de continguts digitals.

Albert Potrony. Artista i responsable del projecte Geografia i Memòria - Demència, Resistència i Solidaritat. 

Roser Sanjuan. Responsable de Programes Públics Centre d’Art la Panera.

Seth Pimlott. Artista i mediador de processos col·laboratius.

Marijke Steedman. Comissari – New Town Culture Programme. Culture and Recreation, Policy and Participation. London Borough of Barking and Dagenham.

Guillem d’Efak.Director de Comunicació (i RSC) de l'Institut Català de la Salut i Coordinador de l'Estratègia Arts en Salut de l’ICS.

Dra. Conxa Tous. Directora de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Idoia Balboa. Treballadora Social de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Pilar Valles. Gerocultora de la Residència i Centre de Dia per a la Gent Gran Balàfia II (Lleida).

Vanesa Aresté. Psicòloga. coordinadora del Equip d’Atenció Psicosocial de l’Hospital Jaume Nadal Meroles.

Maria López. Auxiliar infermeria Hospital Jaume Nadal Meroles.

Dra. Anna Soldevila. Professora Agregada. Departament de Pedagogia. Facultat d’Educació, Psicologia i Treball Social. Universitat de Lleida.

Rachel Hughes.  Lecturer in Social Work, Goldsmiths, University of London i col·laboradora en el programa NEW TOWN CULTURE.

El Centre d’Art la Panera realiza durante los periodos de vacaciones escolares talleres de artistas dirigidos a un público de edades comprendidas entre los cinco y los doce años. Estas actividades tienen el objetivo de acercar los más jóvenes a los distintos lenguajes artísticos del arte contemporáneo a través de artistas y creadores.


Para más información e inscripción:


educaciolapanera@paeria.es / T: 973 26 21 85

A las 19:15h

El Centre d’Art la Panera acoge la actividad de expresión corporal y danza Umbrella’s Tour, presentado por Muvmentics.

Un paraguas nos hace de guía —como si de una visita a un museo se tratara— por una serie de pequeñas piezas de danza y expresión corporal dirigidas y creadas por los integrantes de la compañía. Son unas piezas inspiradas en la actual exposición del Centre d’Art la Panera, institución con la que Muvmentics colabora.

Intérpretes: Àngela Barón, Ona Beneït, Guillem Burnat, Tere Caraltó, Marc Cortadelles, Mireia Gómez, Isaura Juncosa, Marta León, Míriam López, Ester Pérez, Marta Rabaneda, Anna Santamaría y Albert Sorribas

Dirección: Marta Casals y Muvmentics

Producción: Club Inef Lleida