Exposiciones

No apagar la luz es parte de un archivo que voy construyendo desde hace años; los «documentos» de este archivo son de mi autoría. Lo entiendo como una acción privada que se va formando en el tiempo, sin un plan determinado. Son dibujos inmediatos, ideas, apuntes, gestos y reacciones. El texto numerado y extendido a lo largo de esta presentación–publicación es el de una performance que escribí en Barcelona a dos voces y que realicé en Buenos Aires en el 2007. El conjunto me documenta y representa. El material presente fue realizado sobre hojas de libretas, cuadernos viejos, hojas encontradas, de tamaños pequeños, y, en general, están arrancadas de sus soportes originales.

Tipografías, fotografías, ilustraciones, colores singulares, formatos especiales e ideas sugerentes, son palabras que nos vienen a la cabeza cuando hablamos de sonidos gráficos.

El diseño y la música siempre han ido de la mano. La industria musical y el packaging siempre han permanecido unidos. Un CD, un vinilo, etc., se revaloriza al cabo de los años, pero no sólo por la música que contiene, sino también por su envoltorio.

Es tan importante el diseño de las portadas que incluso muchos artistas, ilustradores y diseñadores se han especializado en este terreno.
El caso es no dejar un disco recién comprado en la estantería, o en una caja; tiene que ser distino del resto, especial, no sólo una caja de plástico que contenga música. Las compañías discográficas han tenido que buscar nuevas vías para incitar a los consumidores a comprar productos musicales, y más hoy en día, con la popularidad de las descargas musicales.

De esta forma, el packaging se ha convertido en un nuevo soporte para el arte. Cada «caja» es como una pequeña obra de arte que podemos tener en nuestra casa y, a la vez, es una manera de diferenciarlos los unos de los otros, una nueva manera de reflejar la actualidad y, sobre todo, la música que contienen y, en definitiva, nuestros tiempos.

En esta pequeña muestra podemos ver como diferentes artistas, fotógrafos, ilustradores, diseñadores… han creado algunas de las portadas de los discos que podemos escuchar actualmente.

Javier Aramburu-Le Mans, La Buena Vida / Albert Aromir - Bedroom / Txarly Brown - Makala / Chris DeLorenzo - The Mighty Fools / ferranElOtro - Tu madre / Folch Studio - Mishima / Inocuo -Sólo Los Solo / Latipa - Cabo San Roque / Gérard Lo Monaco - Mañana Music / Jorge Primo - Dotore, Rutina Idiosincrásica / Rafamateo - Cosmosound2 / Juanjo Sáez - Los Carradine / Setanta - Joe Crepúsculo / Sixis - Chop Suey / SOPA Graphics - Vargas / Àlex Trochut - Rolling Stones / Vasava - Chop Suey, Pau Torres / Xocoa - Gigi el Amoroso / Pau Riba

Naive / Sones / Vanessa Pellissa / g3grecords

Escucha la exposición a LaPaneraSound (Spotify)

La presente exposición, Los más pequeños visitan la Panera es fruto del trabajo conjunto entre el Centro de arte la Panera y las Escuelas Infantiles Municipales de Lleida. Este es un proyecto que se inició en el año 2004, por la inquietud de algunas escuelas de querer visitar un nuevo recurso comunitario que se había inaugurado en la ciudad. En estos momentos ya llevamos seis ediciones consecutivas, en las que, durante los meses de primavera, una vez pasado el periodo de adaptación a la escuela, los niños y niñas de 1 y 2 años visitan el Centro de Arte. La Panera se presenta como recurso comunitario de la ciudad, el cual se ha convertido en un agente colaborador en el ámbito de la educación y las familias.

El tiempo es uno de mis intereses como artista y, al pensar la selección de libros para esta exposición, he querido buscar publicaciones que, para mí, tuvieran una relación con este concepto desde múltiples perspectivas. ¿Cómo envejecen los libros o los proyectos? ¿Cómo atraviesa el tiempo las páginas de los libros o queda detenido, representado, en ellas? ¿Cómo se hace el tiempo en palabras, imágenes, papeles? La selección podría ser muy amplia, ya que todo libro (entre las muchas definiciones de libro) no deja de ser, esencialmente, un contenedor de tiempo. La publicación más antigua del Fondo de ediciones especiales y libros de artista de la Panera (hablo de la fecha de publicación, no de incorporación) es la CAPS.A. (núm. 2), de 1982, con obras de Lola Albarracín, JM Calleja, Jordi Cuyàs y Jaume Simón, y la más reciente, The quick brown fox jumps over the lazy dog, de Ferran elOtro, de 2020. Pero no hablaré de ellos.
 
Me resulta muy interesante lo que pasa cuando tenemos un libro en las manos. Es como sostener un fósil: el tiempo del pasado se actualiza en el presente. El tiempo de una cosa pasada (un proyecto, una imagen, un texto que quedaron encapsulados en una determinada forma) se hace de golpe presente  en tu presente. Un trozo de (otro) tiempo que se mete en tu tiempo  te suspende, crea un espacio en el que puedes sentir que hay otro tiempo que sigue delante de ti, pero tú, en este momento, eliges no seguir su curso; estás en otro tiempo.

Exposición en linea #12

Forever, Dora García

247 mois / 247 jours, On Kawara

White Pages, Ignasi Aballí

Almost There, Aleix Plademunt

Escanografías, June Crespo

Rendición de la hora, Isidoro Valcárcel Medina

Equation of Time, Serafín Álvarez

Pronóstico del tiempo para el 20 de febrero de los próximos 100 años, Daniel Jacoby

Agenda de caducidad de los tiempos drásticos, Javier Peñafiel

En el fondo nada ha cambiado, Martín Vitaliti

Goodbye, Oriol Vilanova

Museu de la Paeria

La presente exposición, Los más pequeños visitan la Panera es fruto del trabajo conjunto entre el Centro de arte la Panera y las Escuelas Infantiles Municipales de Lleida. Este es un proyecto que se inició en el año 2004, por la inquietud de algunas escuelas de querer visitar un nuevo recurso comunitario que se había inaugurado en la ciudad. En estos momentos ya llevamos seis ediciones consecutivas, en las que, durante los meses de primavera, una vez pasado el periodo de adaptación a la escuela, los niños y niñas de 1 y 2 años visitan el Centro de Arte. La Panera se presenta como recurso comunitario de la ciudad, el cual se ha convertido en un agente colaborador en el ámbito de la educación y las familias.

No apagar la luz es parte de un archivo que voy construyendo desde hace años; los «documentos» de este archivo son de mi autoría. Lo entiendo como una acción privada que se va formando en el tiempo, sin un plan determinado. Son dibujos inmediatos, ideas, apuntes, gestos y reacciones. El texto numerado y extendido a lo largo de esta presentación–publicación es el de una performance que escribí en Barcelona a dos voces y que realicé en Buenos Aires en el 2007. El conjunto me documenta y representa. El material presente fue realizado sobre hojas de libretas, cuadernos viejos, hojas encontradas, de tamaños pequeños, y, en general, están arrancadas de sus soportes originales.
Gustavo Marrone

Nueva presentación de una selección de obras que provienen de las adquisiciones efectuadas gracias a las siete ediciones de la Bienal de arte Leandre Cristòfol, que desde 1997 se ha organizado en Lleida ininterrumpidamente. Una tarea continua que ha permitido reunir una importante colección de aquellos artistas significativos que tanto en Cataluña como en el resto del Estado español han contribuido a definir la situación artística durante las dos últimas décadas.
La selección de obras para esta ocasión sitúa en igualdad de condiciones piezas importantes y significativas con publicaciones y ediciones provenientes del fondo del Centro de Documentación de La Panera, con la voluntad de poner de manifiesto la relevancia que tiene este fondo documental dentro del programa artístico de nuestro centro de arte.

Las obras seleccionadas pertenecen a los siguientes artistas:
Antoni Abad, Ignasi Aballí, Consuelo Bautista, Raimond Chaves, Jordi Colomer, Cabello / Carceller, Ricardo Cotanda, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Daniel García Andujar, Daniel Jacoby, La Ribot, Valeriano López, José Maldonado, Mabel Palacín, Javier Peñafiel, Josu Rekalde, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante y Eulàlia Valldosera.

Los Servicios Educativos de la Panera plantean una exposición a partir de una única obra de la colección, Calaixera de Curro Claret. Los dossier educativos que hemos planteado hasta ahora, en esta ocasión expanden en el espacio expositivo, la metodología y los múltiples referentes que se pueden generar en torno a una obra. De entrada, la pieza de Curro Claret nos obliga a reflexionar sobre las relaciones entre los diseño industrial y las artes visuales, y preguntarnos si todavía quedan fronteras entre ambas disciplinas, desde el momento que un diseñador se plantea cuestiones que van más allá de la eficiencia industrial y la rentabilidad económica y por el contrario propone en sus obras cambios de conciencia y de actitud vital. Curro Claret con su pieza nos invita a pensar en las tres R de (Reciclar, Reutilizar y Reducir) y en un momento de crisis como el actual, estos conceptos aún tienen más vigencia. Después de años de despilfarro es necesario que valoremos en qué medida podemos reutilizar todo aquello que nos rodea y poseemos, y hasta qué punto podemos reducir nuestros niveles de consumo y de producción, que en última instancia generan los excesos que colapsan nuestro mundo a nivel económico y medioambiental. En este sentido hemos querido contextualizar la pieza de Curro Claret con otros artistas visuales, diseñadores, arquitectos, ilustradores, ...que nos sugieren de forma directa o indirecta un replanteamiento de nuestra cotidianidad, y en algunos casos, de nuestra vida.

A partir de obras de Lara Almárcegui, Basurama y Jordi Bernadó
UdL, Facultad de Ciencias de la Educación

A lo largo del siglo XIX los románticos, primero, y los pintores de la escuela de Barbizon, después, reivindicaron el paisaje en sus obras, como nunca se había hecho a lo largo de la historia del arte. Actualmente, es difícil sostener una mirada tan idealizada sobre el paisaje; los entornos naturales que inspiraron a los artistas del pasado en muchos casos están en peligro de desaparecer. En este sentido, los artistas actuales se enfrentan al paisaje desde posicionamientos críticos que nos alertan de su sobreexplotación y de los malos usos urbanísticos. Así, Lara Almárcegui nos advierte sobre los espacios abandonados de nuestras ciudades y nos invita a ocuparlos y reconvertirlos en huertos o jardines urbanos. Jordi Bernadó fotografía nuevos usos de los espacios urbanos marginales que están a medio camino entre la desaparición del entorno natural y la trama urbana. Finalmente, Basurama denuncia el colapso inmobiliario y medioambiental de las llanuras de Castilla-La Mancha. En todos los casos, el territorio se ha consumido a una velocidad exagerada, y el paisaje, inevitablemente, se ha visto afectado.

Como cada año, es una actividad que tiene como objetivo mostrar las producciones artísticas y los trabajos generados por esos centros y entidades que han seguido durante el curso nuestras propuestas expositivas. Los trabajos que se presenten tienen que estar relacionados con las exposiciones de las que se va a ocupar esta 9ª Jornada de Puertas Abiertas: «Imágenes y Sonidos en Extinción»; «Medianoche en la Ciudad», comisariada por José M. Cortés; «Un(Inverse)», de Txuspo Poyo; «Ejercicios de Memoria», comisariada por Juan Vicente Aliaga; «Fin de Silencio», de Carlos Garaicoa, y «La Cuestión del Paradigma», comisariada por Manuel Segade.

Dentro de la programación expositiva del Centre de Documentació de la Panera, venimos haciendo exposiciones sobre piezas que a menudo responden a formatos más híbridos e incluso contaminados. La selección de estos distintos formatos nos evidencia que estamos viviendo en una situación de renovación, vitalidad, incorporación de las nuevas tecnologías, nuevos canales, etc. Una nueva forma de hacer que el arte llegue a todo el mundo y que rompa con las ediciones limitadas, firmadas, numeradas… Otra forma de conseguir una mayor distribución y consumo artístico.
Este verano, en el Centre de Documentació de la Panera queremos crear un campo magnético. Por eso, durante los meses de julio y agosto se mostrará una amplia selección de imanes de todo tipo, temática, formato, etc., realizados por artistas, ilustradores y diseñadores gráficos que plasman su trabajo en soportes imantados. 
Son baratos, fáciles de hacer; cualquier objeto puede ser válido para pegarlo a un imán; pueden transmitir mucha información… Es una forma de diferenciarse del resto en un mundo donde parece que cada vez cuesta más ser distinto. Aparte de ser un accesorio decorativo, son una manera de mostrar los diseños y las opiniones, una forma de entender la actualidad, un reflejo de nuestros tiempos, etc.

Xoan Anleo / Irene González / Mondotrendy / Javi Royo / Julio Adán / bomo / Izaskun Álvarez Gainza / Cesc Grané / Marta Cerdà / Pablo Pérez Sanmartín / La Más Bella / Judit Reig / Sil Barrios / SOPA / Xavi Palouzié / Jesús Novillo / lalata / Puño / Txelografia / Cactusoup / Maria de Gibert / Escuela de Arte de Albacete / Pilar Sola

La exposición titulada La cuestión del paradigma. Genealogías de la emergencia en el arte contemporáneo en Cataluña, pretende mostrar el presente del arte contemporáneo en el territorio catalán. Para llevarlo a cabo, el comisario de la muestra, Manuel Segade, ha rastreado la escena catalana a través de exposiciones, convocatorias e iniciativas diversas tanto públicas como privadas, para establecer una serie de genealogías que construyen puentes entre artistas de generaciones diferentes y en consecuencia, marcan caminos preestablecidos para los creadores emergentes. Con este objetivo, también se establecen diferentes ámbitos en el espacio expositivo que muestran el desarrollo de la escena catalana actual. Estos ámbitos dependen de múltiples condicionantes que han articulado y siguen articulando el panorama artístico catalán, tanto desde el funcionamiento del propio sistema artístico (exposiciones, convocatorias, jóvenes comisarios, etc.) como desde aquellos aspectos fundamentales que condicionan la creación catalana (sistema de producción, procesos, narraciones, ediciones, nuevas iniciativas, etc.).
Este planteamiento se mostrará a través de obras, publicaciones, material documental, textos explicativos en las diferentes secciones de la exposición y mapas conceptuales, que se alternaran en el espacio expositivo para ayudar a establecer genealogías que vertebren el discurso general del arte contemporáneo emergente en Cataluña.

Ignasi Aballí, Efrén Álvarez, Serafín Álvarez, Martí Ansón, Bestué / Vives, Luis Bezeta, Rafael Bianchi, Luis Bisbe, Sergi Botella, Luz Broto, Mireia C. Saladrigues, Jordi Colomer, Fito Conesa, Carles Congost, Pauline Fondevila, Dora García, Ana Garcia-Pineda, Rubén Grilo, Núria Güell, Daniel Jacoby, Jeleton, Tamara Kuselman, Fran Meana, Jonathan Millán, Jordi Mitjà, Momu & No Es, Mariona Moncunill, Julia Montilla, Joan Morey, Marc Navarro / Pol Esteve, Miguel Noguera, Antonio Ortega, Carlos Pazos, Javier Peñafiel, Gabriel Pericàs, Tere Recarens, Alex Reynolds, Xavier Ristol, Francesc Ruiz, Jorge Satorre, Quim Tarrida, Ignacio Uriarte, Eulàlia Valldosera i Oriol Vilanova.

Pedro Garhel (1952–2005) fue uno de los artistas pioneros en el Estado español en el ámbito del arte multimedia y electrónico, ya a finales de la década de los setenta. Asimismo, sus performances, en las cuales la música tenía un gran protagonismo, fueron una reflexión muy singular sobre el cuerpo humano y su relación/fusión con el entorno.
Esta presentación reúne toda una serie de materiales —fotografías, vídeos y documentación de su intensa trayectoria—, para rendir un homenaje a quien no sólo fue un artista multimedia destacado, sino un gran dinamizador de la escena artística madrileña, al fundar el Espacio P en Madrid (1981–1997).

Los tapices de Carlos Garaicoa representan algunas de las firmas de antiguos comercios de La Habana con nombres evocadores, como La lucha, Pensamiento, Sin rival o Reina. Textos que pueden leerse habitualmente en los suelos de esta ciudad porteña y sobre los que Carlos Garaicoa (La Habana, 1967) interviene alterando su significado original por otros, como La lucha es de todos o Reina destruye o redime.
Esta instalación de tapices está compañada de dos vídeos que muestran las inscripciones originales de los antiguos comercios, ubicados en el suelo de la ciudad, de manera que podemos visualizar los textos tal y como se mostraban en su contexto original.
Fin de Silencio forma parte de una serie de trabajos que Garaicoa comenzó en 2006 con la intervención sobre fotografías de rótulos y suelos habaneros y que ahora culmina con la creación de este lugar alfombrado. Este diálogo con el espacio urbano y la arquitectura es una constante en el trabajo de Carlos Garaicoa, cuya obra crea analogías sobre estas estructuras físicas y ciertos modelos de organización social. A través de la deconstrucción de estos contextos vivenciales en objetos, dibujos, fotografías o vídeos, Garaicoa nos propone nuevas lecturas de la ciudad, de sus modos de gobierno y de un posible cambio social.

Exposición coproducida entre el Centre d’Art la Panera y Matadero Madrid.

Matadero Madrid del 25 de septiembre al 7 de noviembre de 2010.

La exposición «Libros para Experimentar» es una muestra de libros pop-up. Sus diseñadores son auténticos ingenieros del papel que llevan a cabo un trabajo cuidadoso, creativo y original. Los libros pop-up esconden formas y modelos tridimensionales o móviles, que se expanden en cada página y transforman el formato tradicional de libro, aportando nuevos efectos visuales, como solapas que se levantan, imágenes emergentes, túneles y pestañas.
Dirigidos a grandes y pequeños, pueden ser considerados libros de artista, y por su diseño y creatividad se sitúan en un plano intermedio que tiende al objeto artístico como herramienta didáctica. Este es el caso del libro Mira qué artista, cuya autora y gestora es la artista Patricia Geis, que incluye reproducciones, modelos o similitudes de obras artísticas como las de Andy Warhol.

Diseño e ilustración se unen en este formato de libro para ofrecer un nuevo modo de entender y experimentar los colores, las formas geométricas, las texturas y el contenido del arte contemporáneo. Sus hojas se pliegan y despliegan, convirtiendo el libro en un objeto vivo. Ven a descubrir los misterios que esconde esta pequeña exposición, que nos acerca a la lectura y estimula nuestros sentidos.

Lugar: Ciències de l’Educació, de la UdL

El proyecto «Zona baixa» se orienta prioritariamente a facilitar y potenciar la educación humanística y artística de los alumnos de la Facultat de Ciències de l’Educació de la Universitat de Lleida. La Facultad cede un espacio, llamado «Zona baixa», donde se instala periódicamente una obra de arte vinculada la programación expositiva del Centre d’Art la Panera.
A lo largo de la pasada temporada 2010 se instalaron una pieza del artista Javier Peñafiel y otra de Javier Codesal, y del 9 de marzo al 21 de abril de 2011 se instaló el vídeo Camp de la Bota: Entrevistes  de Francesc Abad.
Para continuar con este proyecto, el espacio «Zona baixa» acogerá a partir del 14 de mayo la fotografía “La Lucha” de Carlos Garaicoa.
La fotografía La lucha está vinculada a los tapices que conforman el proyecto «Fin de Silencio», que se podrá ver en la Panera del 14 de mayo al 28 de agosto de 2011. Aunque ha utilizado un soporte diferente, como es la fotografía, el vínculo está determinado por la apropiación que Carlos Garaicoa ha realizado de los rótulos de algunos comercios de La Habana. El artista, a la hora de concebir esta fotografía y los tapices, ha partido de palabras que evocan toda un carga ideológica, que él ha subrayado, en el caso de esta pieza en concreto, con la inclusión de nuevas imágenes y otros materiales, como la cinta adhesiva.
El proyecto “Zona Baixa” es fruto de la colaboración entre el Centre d’Art la Panera y la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida.

Este libro de artista —de hecho, un libro–objeto— viene a ser un compendio de ideas y sugerencias que forman parte del proceso de trabajo habitual en este artista. El término jardín del título alude al tema de la naturaleza, tan frecuente en su trabajo, pero en concreto a la incidencia que el hombre ejerce sobre ella. Este libro–objeto se relaciona con su serie de performances, «Las estaciones», que recoge diversas acciones realizadas en la naturaleza al ritmo del paso de las cuatro estaciones. Por esta razón, el libro–objeto está dividido en cuatro secciones que evocan tanto el paso del tiempo como las implicaciones simbólicas y emocionales de formas y colores.
El libro ha sido cedido para esta presentación por Artium de Vitoria.

Facultad de Ciencias de la Educación (UdL)
Horario: de lunes a viernes de 09:00 a 21:00h

El proyecto «Zona Baixa», que es fruto de la colaboración entre el Centre d’Art la Panera y la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida, está orientado a facilitar y potenciar la educación humanística y artística de los alumnos de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Lleida. La Facultad cede un espacio, llamado «Zona Baixa», donde se instala periódicamente una obra de arte vinculada a la programación expositiva del Centre d’Art la Panera.

Para continuar con este proyecto, dado que la pasada temporada 2010 se instaló una pieza del artista Javier Peñafiel y otra de Javier Codesal, a partir del 9 de marzo de 2011 el espacio «Zona Baixa» acogerá la obra Camp de la Bota: entrevistes.

Se trata de un proyecto basado en los sucesos del Camp de la Bota de Barcelona, la playa donde, entre los años 1939 y 1952, el franquismo fusiló al menos a 1.704 personas. Abad ha querido rescatar del olvido estos sucesos a partir de las obras del Foro Universal de las Culturas de 2004.

La primera parte del proyecto, Camp de la Bota: Arxiu, se puede ver en el contexto de la exposición «Ejercicios de Memoria», en la planta 1 del Centre d’Art la Panera.

El comisario de la exposición «Ejercicios de Memoria», Juan Vicente Aliaga, asistirá al acto de inauguración de «Zona Baixa» y presentará la obra de Francesc Abad.

Una muestra sobre las utopías políticas construida en torno a la imagen del edificio que alberga la sede de las Naciones Unidas en Nueva York. Aunque la pieza central de la exposición y la que da su nombre a la misma es un gran vídeo de animación sobre el mencionado edificio y las múltiples interpretaciones que permite, «U.N(INVERSE)» da idea de la capacidad multidisciplinar de Txuspo Poyo: además de vídeos, el visitante encuentra también dibujos y esculturas, como el péndulo de Foucault, que alude al instalado en el vestíbulo de la Asamblea de las Naciones Unidas. Poyo indaga en los mitos de la libertad, la transparencia política y la participación democrática a través de referencias cruzadas entre el cine, el arte y la arquitectura modernas. La exposición es una producción conjunta de el Centre d’art la Panera y ARTIUM (Vitoria-Gasteiz). 

Txuspo Poyo (Altsasu, 1963) es un artista multidisciplinar de amplia trayectoria que ha realizado su trabajo en los últimos años fundamentalmente en el campo audiovisual. Con un extenso recorrido, que incluye Bilbao, Nueva York, Canadá o Centroamérica, Txuspo Poyo ha ido construyendo una obra que aúna referencias a la historia fragmentada y al imaginario, desde la historia del arte y el mundo del cine. En sus obras aporta una relectura de los tópicos de la representación de la realidad sociocultural en la sociedad occidental.
El elemento central de la exposición, el que le da título y vertebra el conjunto de la muestra, es una pieza de animación en 3D llamada U.N(INVERSE), título que alude tanto a las siglas inglesas de las Naciones Unidas (UN) como al nombre de los estudios cinematográficos UNIVERSAL. En ella, Txuspo Poyo interpreta el valor icónico del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, originalmente ideado por Le Corbusier, como proyecto originado por la utopía política de la unión entre las naciones del mundo, como símbolo de la arquitectura contemporánea, y como icono para la industria audiovisual. «U.N(INVERSE)» lleva a cabo un recorrido virtual por el exterior y el interior de ese edificio, pero el propósito no es documental, sino que se trata de una ficción poética llena de imágenes de gran contenido metafórico sobre la fragilidad del mundo.

Catálogo de la exposición, con textos de George Stolz y Miles Orvell

Exposición coproducida con ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contenporáneo. Vitoria-Gasteiz

Este proyecto se inicia con un sinfín de preguntas. ¿Cómo se lleva adelante el trabajo de hacer memoria desde la práctica artística? ¿Cuándo se inició esa tarea dentro del arte? ¿Qué aspectos de la historia, cargada de política, han atraído más a los artistas? ¿Por qué el estudio del pasado histórico ha sido tabú durante mucho tiempo en el Estado español? Por pasado histórico entendemos concretamente el periodo comprendido por la Guerra Civil y sobre todo por las décadas en las que el franquismo ejerció el poder y, con él, la represión de los republicanos, de los demócratas y de otros disidentes de distintos sectores de la izquierda.
En este proyecto se ha buscado recoger algunas de las manifestaciones que implican revisar la historia desde la Guerra Civil y el franquismo, con algunas alusiones a tiempos más recientes, en los que se situaban los creadores artísticos.
Este proyecto no pretende cerrar ningún debate ni busca llegar a consensos ni a uniformidades, sino, más bien al contrario, intenta dar paso a discusiones largamente postergadas.

Francesc Abad, Joan Brossa, Marcelo Expósito, Rogelio López Cuenca, Ana Navarrete, Pedro G. Romero, María Ruido, Ana Teresa Ortega, Fernando Sánchez Castillo, Montserrat Soto y Francesc Torres