Exposiciones

Alex Trochut nació en Barcelona el año 1981. Estudió diseño gráfico en la Escuela Elisava i empezó a trabajar como diseñador e ilustrador freelance desde 2007.

Las ilustraciones, los diseños y tipografías de Àlex Trochut se apropian de la noción moderna del minimalismo y la cambian radicalmente. La filosofía de trabajo de Trochut es “más es más”, rica en ejecuciones elegantes de extraordinaria factura que transmiten satisfacción y a la vez un esmerado y temperado control. A Trochut lo mueve el deseo de evolucionar constantemente, lo que se puede ver en el conjunto ecléctico de su obra.

Conocido por sus creaciones y diseños de tipo técnicamente exquisito, Trochut atribuye su especial conexión con la tipografía a su abuelo, Joan Trochut, tipógrafo y creador de un sistema tipográfico y de ornamentación modular fabricado en los años cuarenta. Entre los clientes de Alex Trochut figuran Nike, The Rolling Stones, Nixon, British Airways, Coca-Cola, The Guardian, Non Format, Wieden + Kennedy, Saatchi and Saatchi, BBH, Fallon y Beautiful Decay.
Trochut está instalado a Barcelona..

Ecole Nationale Supérieure d’Art de Dijon (Francia).

La exposición muestra la colección de la revista Lalata, una revista con un formato inusual ya que se edita en una lata de conservas cerrada herméticamente. Es un contenedor de objetos artísticos que gira en torno a la nueva cultura que nos rodea: más imágenes y menos palabras. No existe en texto escrito, en soporte bidimensional, libro o fanzine, ya que no es una revista literaria convencional.

A través de una convocatoria, las coordinadoras invitan a todo el mundo que esté interesado, tenga o no experiencia en el mundo de la creación plástica y de forma individual o colectiva, a participar en cada nueva entrega. Aquel primer número sólo tenía dos colaboradoras, ellas mismas, pero los últimos números ya superan el centenar.

El día 11, Glòria Picazo realizará una conferencia sobre las publicaciones especiales y las publicaciones del Centre d’Art la Panera.

Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera (Lleida) y el Museo Universitario de Arte contemporáneo (México)

Allora & Calzadilla - Oliver Boberg - Edward Burtynsky - Chen Chieh Jen - Octavi Comeron - Stéphane Couturier - Peter Downsbrough - Harun Farocki - Alicia Framis - Liam Gillick - Thomas Ruff.

Las fábricas se afirman como referentes de la cultura occidental, verdaderos iconos alojados en el imaginario colectivo de las sociedades capitalistas. Otrora símbolos de la revolución industrial y de la expansión de la economía de mercado, los espacios industriales poseen hoy la capacidad de sintetizar la memoria reciente, el presente incierto y la desnaturalización del futuro de un sistema que ha tendido sus redes a lo largo y ancho de nuestro planeta.
“Una Fábrica, una Máquina, un Cuerpo” presenta diez aproximaciones contemporáneas al mundo de la industria. El objetivo de la muestra es ofrecer una idea de conjunto del modo en que los artistas de nuestro tiempo se han “apropiado” de la memoria y de los elementos de la producción industrial a modo de referentes, iconos o metáforas de la condición del sujeto contemporáneo.
El resultado final cobra la forma de diez propuestas bien diferenciadas que circulan entre lo visual y lo objetual y que abordan aspectos tan variados como la relación entre el individuo y la máquina, la apropiación de los símbolos tradicionales del trabajo, la esclavitud, la dialéctica entre productividad e improductividad y el recuerdo de los espacios industriales.

Con la colaboración del SEACEX

Este proyecto se articula a partir de cuatro instalaciones. Como ya es habitual en el trabajo de Francesc Ruiz, utilizan todas ellas la gramática del cómic para construir narrativas que, partiendo de una realidad, acaban derivando en mundos paralelos de gran complexidad. Estas narrativas presentan a menudo un fuerte arraigo en el contexto social donde se muestran, gracias a la tarea de rastreador urbano que el artista siempre practica en su trabajo.
Sus instalaciones se despliegan en el espacio creando lo que se ha llamado cómics expandidos, en ocasiones por las dimensiones de sus dibujos, o por el carácter escultórico en la manera de organizar las publicaciones, e incluso, en otros momentos, por la dispersión de la presentación en lugares diferentes de la ciudad.

Save As… Publications es un proyecto editorial con sede en Barcelona. Fundado en el 2008 por Irene Minovas y ferranElOtro desarrolla su actividad en la producción, difusión y promoción de proyectos artísticos, con la finalidad de publicar propuestas en formatos diversos (libro, CD-R, DVD, vinilo, etc...) y proponer alternativas a la rigidez del espacio expositivo.

Centre d’Art Torre Muntades. Ayuntamiento del Prat de Llobregat

La exposición muestra distintas aproximaciones a la idea de identidad de la mano de artistas tan variados como Rogelio López Cuenca, Juan Pablo Ballester, Patrícia Dauder, La Ribot, Marina Núñez o Alícia Framis, entre otros.
Las obras, procedentes de las distintas adquisiciones realizadas con motivo de las seis ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol de Lleida, ofrecen una mirada poliédrica sobre la identidad y la concepción del “yo”, desde la formación del propio carácter hasta la mirada del otro, pasando por una visión en clave de género o por los sentimientos de pertenencia nacional.

Proyecto con el Centre d’Art la Panera, Lleida

Con esta pequeña muestra en el Centro de Documentación de la Panera queremos recontextualizar y abordar desde nuevos puntos de vista el trabajo videográfico de Carles Congost “Un Mystique Determinado” (2003). Este vídeo narra la historia de un futbolista que abandona su carrera deportiva como consecuencia de su vocación artística (que en el vídeo se denomina un mystique determinado). El cambio de rumbo que decide emprender este joven hace reaccionar a toda una serie de personajes que opinarán sobre la repentina decisión (madre, ex-novia, entrenador, crítica de arte, artista consagrado,...). Carles Congost, bajo la apariencia lúdica de un musical estructurado a partir de canciones expresamente escritas por Astrud , aborda temas nada anodinos como la inspiración, la originalidad, la autoría, el debate entre la pintura y el videoarte, el reconocimiento dentro del ámbito artístico, los retos de un artista “emergente”, etc.

Partiendo de este vídeo que retrata la situación que podría vivir cualquier artista de finales de los noventa o principios del siglo XXI en nuestro país nos hemos remitido a obras literarias y ensayos artísticos concebidos en otras épocas y circunstancias históricas que tienen como principales destinatarios a los jóvenes creadores. Textos, que ya sea por oposición o por analogía, enriquecen la aproximación que podemos hacer a este vídeo. La primera cita escogida proviene de un escrito del célebre escritor del siglo XIX Robert Louis Stevenson, que bajo el título “Carta a un joven que se propone abrazar la carrera del arte” se dirige a un hipotético joven a quien, en primer lugar, le ruega examine si su vocación es auténtica o pasajera. Si esta vocación es verdadera el joven, según Stevenson, deberá hacer frente a diferentes retos, como por ejemplo ser constante, alejarse de la pereza y los falsos aduladores. A la vez, deberá encontrar un equilibrio entre el riesgo de sus obras y los gustos de la burguesía.

La segunda y la tercera cita pertenecen a Rainer Maria Rilke, una proviene del libro “Cartas a un joven poeta” y la otra de “Mitsou”. En el primer caso, el destinatario de las cartas es el joven Franz Kappus que le pide opinión al experimentado escritor sobre su incipiente vocación de poeta. Unas cartas que por extensión son válidas para todo el mundo que haya intentado expresarse a través de cualquier disciplina artística. Sin embargo, en el segundo caso las cartas son más concretas, puesto que van dirigidas a un joven pintor, Balthus, que con los años lograría una exitosa carrera. Al poeta y al pintor los unía la amistad, pero también el amor que Rilke profesó en los últimos años de su vida a la artista Baladine (Elisabeth Dorothea Spiro) madre de Balthus.

Finalmente, la última cita, proviene de la “Carta a un joven pintor” del poeta y crítico de arte inglés Herbert Read. Una carta escrita en el contexto artístico de los años 50, cuando la pintura triunfaba y los artistas más reconocidos basaban su trabajo en la gestualidad, la aplicación del color, la abstracción expresionista y la subjetividad. Un texto que visto con perspectiva está estrechamente vinculado a un momento histórico y a una aproximación muy concreta a la creación artística. De algún modo, podríamos decir que es el texto que habría leído el artista de los años setenta que sale en el vídeo de Carles Congost, pero que, en ningún caso, el joven videoartista tendrá en cuenta.

Carles Congost y los escritores escogidos se dirigen a los jóvenes, que en definitiva son los adultos del mañana. Aun así, el estilo y el contenido varían sustancialmente. Carles Congost es lúdico e irónico, y al mismo tiempo no descarta tratar algunas cuestiones que realmente afectan a los jóvenes creadores contemporáneos. Los escritores, en cambio, son severos, asertivos, pulcros, y en algunos casos trascendentes (Herbert Read) y moralistas (Robert Louis Setevenson).

La diferencia entre unos y otros es que Carles Congost en la concepción de su trabajo ha incorporado elementos de la cultura popular, como por ejemplo una estructura narrativa y audiovisual propia de la ópera rock y la música de Astrud . Dos elementos que provocan la colisión, altamente enriquecedora, entre la cultura popular y la alta cultura. Es decir, Carles Congost no renuncia a hablar de temas inherentes a la creación artística (alta cultura) con un estilo completamente pop (cultura popular). En este sentido, a partir del diálogo entre el vídeo de Carles Congost y los textos de Robert Louis Stevenson, Rainer Maria Rilke y Herbert Read. hemos querido reactivar el debate entre alta y baja cultura, y al mismo tiempo ver como en diferentes momentos históricos se ha abordado la cuestión de la vocación artística de los jóvenes.

Carles Congost
Un Mystique Determinado, 2003
Video DVCam transferido a DVD, 16’
Col·lecció d’Art Contemporani de l’Ajuntament de Lleida

Un Mystique Determinado.
Canciones de Manolo y Genís para un vídeo de Carles Congost
Austrohúngaro, Barcelona, 2004.

Robert Louis Stevenson, Carta a un joven que se propone abrazar la carrera del arte, librodot.com. http://www.librodot.com

Rainer Maria Rilke, Cartes a un jove poeta, 1903-1908.
Edición: La llar del llibre, Barcelona, 1983

Rainer Maria Rilke, Cartas a un joven pintor, 1920-1926.
Dins: Mitsou. Historia de un gato seguido de carta a un joven pintor, Artemisa ediciones / Titivillus, Santa Cruz de Tenerife, 2006

Herbert Read, Carta a un joven pintor, Ediciones Siglo Veinte, Buenos Aires, 1964

MARCO, Vigo

En muchas de sus instalaciones de vídeo, donde la arquitectura y la ciudad contemporánea aparecen como una tela de fondo ficticia, Jordi Colomer se pregunta por la forma en que el urbanismo influye en el comportamiento humano y explora así la omnipresencia y los inconvenientes de la modernidad en el paisaje urbano.

Atento a los aspectos sociológicos, psicológicos y filosóficos, pero también a los deslices, las incongruencias o las evidencias demasiado olvidadas de lo cotidiano, Jordi Colomer nos habla con gran lucidez crítica de las nimiedades de la vida, las grandes preguntas sobre la diferencia y el malestar que la vida suscita o las relaciones entre arquitectura y ciudad.

Esta exposición otorgará mucha importancia a sus instalaciones, como Anarchitekton (2002-2004), y presentará también obras recientes, como En la Pampa, o la serie de fotografías Pozzo Al Monte.

Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera (Lleida) y el Jeu de Paume (París)

El Centre de Documentació de la Panera presentará, a partir del 29 de enero, nuevas instalaciones gracias a la donación de parte del fondo de la librería de arte Noa-Noa por parte de Beatriu Malaret.
Con motivo de la apertura del nuevo espacio se realizará una muestra del fondo de las publicaciones especiales y libros de artista del Centre d’Art la Panera. Esta muestra recogerá publicaciones de Adicciones Porquesi, Fundación 30 km/s, La Más Bella o Martí Guixé, entre otros.

CRAC Languedoc-Roussillon, Sète

Muestra de los trabajos presentados por los centros escolares que han visitado las exposiciones y han participado de las propuestas educativas de la Panera dentro del curso escolar 07/08.
Se acepta cualquier tipo de material, ya sea plástico, audiovisual, escrito o en otros formatos, con la condición de que se haya realizado en torno a las exposiciones antes mencionadas. Los trabajos pueden presentarse hasta el 13 de junio a las 20 h. La entrega se puede realizar por correo electrónico, correo postal o directamente en la recepción del Centre d’Art la Panera.

Coproducción con MARCO de Vigo

Como si de un libro de relatos se tratara, el proyecto expositivo “En cualquier lugar, en ningún lugar”, se articula a través de la relación intensa y porosa entre imagen, arquitectura y literatura, o entre el tiempo, el lugar y la memoria. Estructurado a modo de bucle que se abre y se cierra sobre sí mismo y en el cual se interrelacionan de un modo fluido y vibrátil las artes visuales, la literatura y el cine.

Chantal Akerman - Bernd & Hilla Becher - Sophie Calle - Alberto García Alix - Candida Höfer - Francesco Jodice – Philip-Lorca diCorcia - Edward Ruscha.

Con citas de: Paul Auster, Jorge Luis Borges, William S. Burroughs, Santiago Gamboa, Jack Kerouac, Ray Loriga, Georges Perec y Edgar A. Poe.

Y Fragmentos de las películas: Happy Together de Wong Kar-Wai, En la ciudad Blanca de Alain Tanner, Play Time de Jacquees Tati y Paris-Texas de Wim Wenders


El proyecto expositivo “En cualquier lugar, en ningún lugar”, se conforma con un prólogo, tres capítulos y un epílogo (cada uno con un espacio-sala), que son:
 

- En Cualquier Lugar (a modo de prólogo), compuesto de:
Las obras-libros de los años 60/70 de Edward Ruscha,
Fragmentos de la novela En el camino de Jack Kerouac 
La película Paris-Texas de Wim Wenders .
 
- Paisajes Ciudadanos, compuesto de:
Fotografías de Bernd & Hilla Becher y Candida Höfer
Fragmentos de las novela Especies de espacios de Georges Perec y el cuento La Biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges.
La película Play Time de Jacques Tati.
 
- Escenarios Urbanos, compuesto de:
Las fotografías de Sophie Calle y de Alberto García Alix
Fragmentos de las novelas La Triología de Nueva York de Paul Auster y Héroes de Ray Loriga.
La película En la Ciudad Blanca de Alain Tanner.
 
- Mapas Inciertos, compuesto de:
Las fotografías de Philip Lorca diCorcia y Francesco Jodice.
Fragmentos de los cuentos, Un hombre en la multitud de Edgar A. Poe y Ciudades de la noche roja de William S. Burroughs.
La película Happy Together de Wong Kar-Wai.
 
- En Ningún Lugar (a modo de epílogo), compuesto de:
Dos proyecciones de Chantal Akerman, D´Est, 1995 y Une voix dans le désert, 2002.
Fragmentos de la novela El síndrome de Ulises de Santiago Gamboa.
 

Un proyecto de Miquel Mont con la complicidad de Glòria Picazo y Nöelle Tissier
Coproducción con CRAC Languedoc-Roussillon, Sète

“Afinidades Electivas” es un proyecto de exposición fruto de la colaboración de Glòria Picazo, directora del centro La Panera, con el artista Miquel Mont, que comprende una importante selección de la obra de Miquel Mont junto con la de otros diez artistas.

Miquel Mont, Neal Beggs, Yann Beauvais, Ángela de la Cruz, Cristophe Cuzin, Juan Antonio Hernández Diez, Marylène Negro, Irene van de Mheen, Miguel Angel Molina, Jesús Palomino y Emmanuelle Villard.

El propósito de la exposición es mostrar las afinidades que existen o pueden crearse entre la obra de Miquel Mont y su manera de abordar la práctica de la pintura, y otras obras que, desde distintas disciplinas como las imágenes en movimiento, la fotografía, la escultura o la performance, comparten una sensibilidad cercana al tratar la relación con el espectador, el estatus supuestamente autónomo de la obra de arte de hoy en día o la relación entre su visibilidad y su reproducción.

El Centre de Documentació, con el objetivo de reflexionar alrededor de la edición especial y los libros de artista, dedica un espacio permanente a realizar muestras vinculadas con esta temática.

Picnic Oficina de Creación nació en 2006 de la mano de Lola Puértolas, Elena R. Alcoba, Máximo Tuja, Cless y Rubén B., que, atraídos por el mundo de la edición, fundaron en 2007 una pequeña editorial que unieron a las actividades de arquitectura y diseño. Su objetivo principal es dar formato impreso y expositivo a la cultura contemporánea relacionada con el arte urbano, la ilustración y la fotografía.

El catálogo de la editorial apuesta por la calidad y por la selección de autores jóvenes con puntos de referencia que amplían la visión de la realidad, de aquellas otras realidades que con demasiada frecuencia suelen permanecer ocultas. Así han surgido “AAAAA”, una colección de libros de ilustración y ensayo editada en blanco y negro, y una serie de zines a color y en blanco negro que en ocasiones son monográficos y a veces se convierten en el soporte de proyectos de colaboración entre diferentes artistas.

Para Picnic el reto, y sobre todo la principal tarea, es agudizar la vista para recoger nuevas obras, estimulando la crítica e impulsando la recuperación de ciertos recursos perdidos del mundo del arte.

Todo ser humano choca con un límite, el del tiempo. El proceso de envejecimiento, por muy natural que sea, se enfrenta a las múltiples barreras que le pone la sociedad para evitar que aflore, y cuando lo hace se oculta, o al menos se disimula. Incluso el término viejo/a a mucha gente le suena mal y es sustituido en la sociedad occidental por el de anciano, hombre/mujer mayor, abuelo, que parece suavizar la formulación y paliar la dureza de la vejez, preámbulo de la muerte que se quiere retrasar sine die.
¿Qué importancia concedemos a la experiencia, a la sabiduría de haber vivido, antaño sin precio, tanto en la cultura occidental como en otras culturas (budistas, musulmanas...)? ¿Qué puede ofrecer la sociedad de consumo a quien consume cada vez menos y desaparece de las estadísticas de trabajo y de la actividad laboral? ¿Cómo hablar de salud en personas que la tienen disminuida?

Susana Casares / Ana Casas /John Coplans /Pau Faus / Hans-Peter Feldmann / Pere Formiguera / Manabu Yamanaka / Miwa Yanagi.

Al titular esta exposición con el nombre “Interfície”, hemos querido ver, en la plataforma de pensamiento que es la exposición, el medio interfacial que ha hecho posible el encuentro entre dos colecciones. De esta manera, tenemos una selección de cinco obras primordiales de la colección de arte contemporáneo reunida por la Fundació Sorigué de Lleida durante los últimos años, y una selección de obras procedentes de la Col·lecció d’Art Contemporani del Ajuntament de Lleida, consolidada a partir de cinco ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol.
El diálogo establecido entre las obras nos permite reflexionar sobre dos aspectos que a menudo aparecen en la creación contemporánea: por una parte, la construcción de la identidad, lo que nos lleva a observar el mundo desde la óptica de la individualidad, y por otra, la relación del yo con los otros, lo que nos sitúa en el terreno de lo social. Ambas posiciones se ramifican de manera tal que irremediablemente coinciden en muchos aspectos. Así, tanto en un caso como en el otro, podemos hablar de incertidumbres, obsesiones, desencantos, miedos y placeres, diálogos y aislamientos, conflictos y armonías, etc.
Todo ello hace que la exposición se convierta en una interfaz, un cruce atravesado por los puentes conceptuales que se van trazando entre las obras y que hacen posible, como decía Heidegger, que las orillas –es decir, las obras– emerjan como tales sólo cuando los puentes cruzan las corrientes.

Antoni Abad -Txomin Badiola – Juan Pablo Ballester – David Bestué/Marc Vives - Patrícia Dauder -Alicia Framis – Gary Hill - William Kentridge - Abigail Lazkoz – Juan Muñoz - Alberto Peral – Fernando Renes – Miguel Angel Ríos – MP & MP Rosado - Francesc Ruiz - Francisco Ruiz de Infante – Pierrik Sorin - Eulàlia Valldosera

El Centre de Documentació, con el objetivo de reflexionar alrededor de la edición especial y los libros de artista, dedica un espacio permanente a realizar muestras vinculadas con esta temática.

En esta ocasión se muestra una selección de juegos de cartas realizados por artistas que utilizan este soporte como herramienta de comunicación creativa.

4 x 12 y el gato / 48 D / Carlos Amorales / Baraja de artistas vascos / Katharina Hetzeneder / La Más Bella

Este año el Grupo de lectura ha llegado a la segunda edición y, con esta presentación en el Centre de Documentació, queremos hacer pública y visible nuestra labor. Se trata de una actividad que nació con la voluntad de acercar a un público lo más amplio posible, reflexiones que han llevado a cabo diferentes especialistas en torno a la creación actual y la cultura contemporánea. Los textos que hemos elegido pertenecen a ensayos, catálogos, antologías o monografías.
La dinámica que se ha instaurado desde el primer día ha sido el debate y la reflexión colectiva, combinada con el descubrimiento y acercamiento individual que cada uno de nosotros hemos hecho y hacemos de las lecturas propuestas.
Para esta segunda edición hemos estructurado las sesiones en dos bloques:
El primero (enero-marzo), bajo el título “Genero, ciborgs y locura”, ha tomado como punto de partida la exposición “Marina Nuñez. Puertas Oscuras”, que se adentraba en cuestiones de género, las transformaciones de los cuerpos a partir de los avances tecnológicos y los miedos inherentes al conjunto de los seres humanos.
El segundo bloque (abril-junio), bajo el título “El estatuto de la imagen en las artes visuales”, tomará como punto de partida algunos de los trabajos que se mostrarán en las sucesivas exposiciones: 6a Biennal d’art Leandre Cristòfol, Inteficie y El don de la vida.
Las sesiones de debate están conducidas por Antoni Jové, historiador del arte y coordinador de exposiciones de la Panera, y puntualmente contamos con sesiones dirigidas por artistas, críticos de arte o profesores universitarios, como Marina Núñez (6 de febrero de 2008).

Integrantes:
Roser Cambray / Àngels Culleré / Teresa Esparza / Imma Jové / Jaume Mor / Montserrat Pellisé / Gemma Rufach / Marta Sol / Brauli Teixidó

*rumiar: someter (algo) detenidamente, una vez y otra vez, a la consideración de la mente. / remugar: fisiol. anim. masticar los rumiantes por segunda vez los alimentos.

Diez años después de la primera edición de la Bienal de Arte Leandre Cristòfol, este año llegamos a su sexta edición. Gracias a la continuidad de esta manifestación, hemos conseguido reunir una importante y amplia colección de arte contemporáneo, que esperamos seguir incrementando con esta nueva edición. Siguiendo la línea iniciada en el año 1997, la Bienal reúne una serie de artistas catalanes y españoles para ofrecer un panorama diversificado de la situación de las artes visuales en nuestro país con la voluntad de seguir mostrando trabajos que han escogido moverse en zonas fronterizas entre el arte, la arquitectura y el diseño. Asimismo, va ha haber un apartado importante dedicado a los libros de artista y publicaciones especiales y una sección que reunirá una amplia selección de postales realizadas por artistas.

Manu Arregui / Basurama / Karmelo Bermejo / Daniel Chust Peters / Curro Claret / Pauline Fondevila / Valeriano López / Regina de Miguel / Ignacio Uriarte
Revistes: Lalata
Postals: Martí Abril / Albert Cano / Angel Corral / Belén Cueto /  Ephemera Ediciones /  Toni Ferron / Miquel Àngel Llonovoy / Javier Longobardo / Ignasi López – Carlos Albalá / La Más Bella /  Oscar Mora /  Miguel Trillo