Exposiciones

La conferencia performativa es un subgénero de la performance en la que los recursos, la técnica y las herramientas de las conferencias académicas se ponen al servicio de la práctica artística. Las conferencias performativas suelen echar mano de todo tipo de estrategias discursivas, pedagógicas, reflexivas y de conceptualización, a las que se superpone la riqueza de contenido que aportan la presencia física del performer, su gestualidad y su voz. Al presentarse en contextos artísticos, las conferencias performativas ofrecen, además, múltiples estratos de significado, porque a su contenido temático se le suma un nivel de metainterpretación que juega con las convenciones y las expectativas de las conferencias tradicionales, y que incluye, a menudo, elementos de ironía y humor.

Al igual que sucede con sus parientes académicas, las conferencias performativas mantienen una estrecha relación con el terreno de las publicaciones: la ligazón entre la oralidad y la palabra impresa viene de largo, y por eso no debe sorprender que muchos creadores publiquen los textos en los que están basadas sus performances. Cuando se convierten en material publicado, los guiones de las conferencias performativas adoptan rasgos muy heterogéneos; y los motivos que impulsan a sus autores a transformarlas en letra impresa también son muy variados.

Del mismo modo que las conferencias performativas dan lugar a presentaciones que quedan a medio camino entre la academia y el arte, sus respectivas publicaciones ocupan también el espacio fronterizo entre los libros de artista clásicos y los libros de ensayo convencionales, sin ser del todo ni lo uno ni lo otro. A fin de explorar este territorio, que es difuso y relativamente nuevo, Autor/Actor/Lector reúne una selección de proyectos en los que el mismo material textual ha dado pie a una conferencia performativa y a una publicación. Los autores que se presentan a continuación abordan la relación entre oralidad y texto desde perspectivas muy diversas, pero todos comparten su interés por explorar el potencial de ambos formatos para la transmisión de conocimiento y la expresión artística.

Exposición en linea #5

→ Juan Argius (ed.)
Art? Science? Technique? Ulises Carrión’s Cultural Strategies and Communication Tactics. Five Reports, 2012
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
16 x 23 cm
Publicat per Ediciones La Bahía, Santander.

→ John Cage
“Lecture on Nothing” en Silence: Lectures and Writings, 1961
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 19 cm
Traducció al castellà: "Conferencia sobre nada", en Silencio. Edicions Ardora, Madrid, pp. 109-127.

→ Ulises Carrión
Gossip, Scandal and Good Manners, 1981
Performance
Vídeo color i so
45:13 min.
© LIMA, Amsterdam, 2014. Tots els drets reservats.

→ Robert Filliou
Lehren und Lernen als Auffuehrungskuenste / von Robert Filliou und dem Leser, wenn er will; unter Mitwerkung von John Cage ... [et al.] = Teaching and learning as performing arts / by Robert Filliou and the reader, if he wishes; with the participation of John Cage ... [et al.], 1970
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
21 x 28 cm
Publicat per Walther König Verlag, Colònia.

→ Dora García
Real Artists Don’t Have Teeth, 2010
Performance
Vídeo color i so
20:00 min.
Conferència performativa presentada a la Rijksakademie el 28 de febrer de 2011, en ​​el context del programa Live # 1. Actor: Jakob Tamm. Cortesia de Dora García.

→ Dora García
Real Artists Don’t Have Teeth, 2010.
Vinil
Disc sonor analògic de 45 rpm
30 cm de diàmetre , funda de 31,5 x 31,5 cm
Publicado por Rosascape, París. Voz de Jakob Tamm.

→ Pablo Helguera
Parallel Lives, 2003
Performance
Vídeo color i so
Conferència performativa presentada en MoMA at Grammercy Theater, Nova York, el 8 de desembre de 2003. Cortesia de Pablo Helguera.

→ Pablo Helguera
Theatrum Anatomicum (And other Performance Lectures), 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 23 cm
Publicat per Jorge Pinto Books, Nova York.

→ Los Torreznos
35 minutos, 2002
Performance
Vídeo color i so
32:55 min.
Gravació de la conferència performativa publicada en http://vimeo.com/37976581, s/d. Cortesia de Los Torreznos.

→ Los Torreznos
Cuatrocientos setenta y tres millones trescientos cincuenta y tres mil ochocientos noventa segundos, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
16 x 23,5 cm
Publicat per Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid. Disseny de Susi Bilbao.

→ Robert Morris
21.3 en Lecture Performance, 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
14 x 24 cm
Publicat per primera vegada en Lecture Performance. Kölnischer Kunstverein y Museum of Contemporary Art Belgrad, Colònia i Belgrad. Disseny de Michael Raeder.

→ Javier Peñafiel
Tragedia de las corporaciones. Ignorancia, 2000
Performance
Vídeo color i so
20:00 min.
Actor: Luis Merchán. Cortesia de Javier Peñafiel.

→ Javier Peñafiel
Tragedia de las corporaciones. Ignorancia, 2000
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
17 x 21 cm
Publicat per Consorci del Museu de l’Empordà, Figueres. Disseny d'Àlex Guifreu.

→ Gabriel Pericàs
Madera curvada / Bentwood, 2012
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
14 x 23 cm
Publicat per Centre d’Art Fabra i Coats, Barcelona, en motiu de l'exposició Esto no es una exposición de arte, tampoco, comissariada per David G. Torres. Disseny de l'autor.

→ Manuel Segade
Las infinitas especies. Preludio, 2013
Llibre
Impressió xerox sobre paper (1 + 1)
15 x 21 cm
Publicat per Save As… Publications, Barcelona. Disseny de ferranElOtro Studio.

→ Manuel Segade
Las infinitas especies. Preludio, 2014
Performance
Fotografies color
Conferència performativa presentada a la galeria No Lugar, Quito, el 2 d'abril de 2014. Cortesia de No Lugar i Manuel Segade.

→ Isidoro Valcárcel Medina
Dobleces de autor, 2013
Performance
Fotografies color
Conferència performativa presentada a la galeria ProjecteSD, Barcelona, el 7 de març de 2013. Fotografies cortesia de Roberto Ruiz i ProjecteSD.

→ Isidoro Valcárcel Medina
Dobleces de autor, 2013
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
25,5 x 18,5 cm
Publicat per ProjecteSD, Barcelona. Disseny d'Àlex Guifreu.

Los libros pueden servir como guías de un mundo diseñado por el artista, basados en su visión y en su propia lógica creativa. Presentan cartografías subjetivas de una geografía, un tiempo, un espacio, un sonido o un pensamiento. En ellas el lector se encuentra a sí mismo en un lugar delineado por bordes inciertos e inestables. Debido a estas cualidades ambiguas y a la propia naturaleza inherente al formato impreso —la bidimensionalidad, la tinta impresa sobre un papel, la lectura lineal de izquierda a derecha o el paso de las páginas—, se consigue que el lector sea transformado en un habitante de ese mundo, y que colabore activamente con el artista en la creación de esa otra realidad.

Exposición en linea #6

→ Lara Almarcegui
Guide to the Wastelands of Lea Valley: 12 empty spaces await the London Olympics, 2009
Llibre
15 × 24 cm

→ Iñaki Álvarez
Trucs que surten malament: pensar menys és més, 2008
Llibre
20,5 x 14,0 cm

→ Fito Conesa
Suite for Ordinary Machinery, 2008
Partitura
27,0 x 19,8 cm

→ Ceferino Galán
El Naufraguito no. 50: Isla Naufragio, 2001
Fanzine
17,6 x 10,6 cm

→ Daniel Jacoby
Pronòstic del temps per al 20 de febrer dels propers 100 anys, 2009
Llibre
20,9 x 15,0 cm

→ Ira Lombardía
La puerta veneciana, 2012
Llibre
21,0 x 14,8 cm

→ Kevin Simón Mancera Vivas
La felicidad, 2013
Llibre
24,5 x 17,5 cm

→ Mariona Moncunill
Unir els punts, 2011
Llibre
28,0 x 19,9 cm

Como decía Umberto Eco en su libro El vértigo de las listas, publicado en 2009, «la lista está en el origen de la cultura. Es parte de la historia del arte y de la literatura. ¿Para qué queremos la cultura? Para hacer más comprensible el infinito. También se quiere crear un orden, no siempre, pero a menudo. ¿Y cómo, en tanto seres humanos, nos enfrentamos a lo infinito?, ¿cómo se puede intentar comprender lo incomprensible? A través de las listas, a través de catálogos, a través de colecciones en los museos y a través de enciclopedias y diccionarios».

A partir de los fondos del Centre de Documentació de la Panera hemos hecho una selección de publicaciones que contienen listas, enumeraciones de cosas, de ideas, de cantidades, de acciones…; todas ellas, confeccionadas por sus creadores con propósitos diversos, pero muy determinados.

El ser humano siempre ha tenido la necesidad de confeccionar listas, de clasificar, en cierto modo quizás para poner orden al caos. En realidad, es una consecuencia de la obsesión del hombre por tenerlo todo bajo control. Las listas resultantes nos reflejan el ansia del hombre por ordenar un mundo desordenado y caótico. Un deseo que es intrínseco a la propia naturaleza humana, y que encuentra en la sistematización y en la clasificación un pequeño refugio temporal ante el caos que lo rodea.

Podríamos decir que clasificar y ordenar son estrategias que utiliza el ser humano para comprender la complejidad de la realidad y, al mismo tiempo, otorgarle cierta apariencia más lógica.

Hay listas prácticas de nuestro entorno cotidiano, como la lista de la compra, la lista de invitados, el catálogo de una biblioteca, un testamento…; pero también existen listas poéticas, donde lo que se nombra no tiene por qué existir necesariamente, como una lista de criaturas míticas, de seres fantásticos, o una lista de superpoderes. Sin embargo, sucede que a veces las listas prácticas se pueden leer como poéticas, y en realidad lo que las distingue quizás sea únicamente la intención con la que las contemplamos.

Con frecuencia se piensa en las listas como algo aburrido, pero ¿quién no sucumbió alguna vez al encanto de una lista?

Exposición en linea #7

 Ignasi Aballí
Listados, 2011
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
22 x 30 cm

→ Caterina Almirall, Miquel Garcia i Antonia del Rio
Los Rechazados, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
17 x 23 cm

→ Iñaki Álvarez
Trucs que surten malament, 2007
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 × 21 cm

→ Erick Beltrán
Nothing but the truth, 2003
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
29.5 × 41.5 cm

→ Dora Garcia
100 obras de arte imposibles, 2003
Pòster
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
100 x 70 cm

→ Ana García-Pineda
Máquinas y maquinaciones, 2008
Llibre
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
15 × 21 cm

→ Daniel Jacoby
Traducción recursiva de titulares, 2008
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 21 cm

→ On Kawara
247 mois/247 jours, 1993
Llibre-objecte
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
30,8 x 23,7 x 9 cm

→ Miguel Noguera
Mejor que vivir, 2014
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
17 × 21 cm

→ Javier Peñafiel i Àlex Gifreu
Violencia sostenible, 2003
Pòster
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
41 × 60 cm

→ Manuel Saiz
101 excusas. Cómo se legitima el arte, 2009
Llibre
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
10,5 × 15 cm

Desde esta declaración de Mallarmé, nos acercamos a algunas publicaciones en las que los artistas han utilizado el libro y sus derivas como objeto y contenido a partir del cual construir una narración. Los libros que referencian, se apropian o alteran otros libros, se han convertido en el momento actual en un género recurrente que atrae tanto a aquellos que los producen como a los que los leen o incluso coleccionan.

Esta selección de libros supone un punto de partida para abordar, desde una mirada histórica, poética y crítica, cuestiones relativas al culto, al fetiche, a los procesos de construcción de ficciones, o al concepto de género y su posibilidad como tendencia.

Exposición en linea #8

David Armengol
La gran aventura, 2011
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
10,5 x 18 cm

Rafel G. Bianchi
Quién soy yo: autoanálisis de inclinaciones y aptitudes, 2012
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
18,8 x 25 cm

Iñaki Bonillas
The world according to Iñaki Bonillas, 2009
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
29,7 x 21 cm

Anna Dot
Enseignement universel, 2013
Impressió offset sobre paper
14,8 x 21 cm

Peter Downsbrough
The Book(s) 1968-2010, 2010
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
15 x 23 cm

ferranElOtro
bulletin 24, 2012
Impressió offset sobre paper (2 + 2)
21 x 29,7 cm

Gina Giménez
L’architecture d’aujourd’hui, 2015
Impressió offset sobre paper (2 + 2)
24 x 31 cm

Pere Ginard
Frankenstein, 2015
Impressió offset sobre paper (1 + 1)
29 x 21 cm

Emiliana Larraguibel
Páginas seleccionadas o libros por fascículos, 2016
Impressió digital sobre paper (1 + 1)
14,8 x 21 cm

Jordi Mitjà
En blanc, reedició d’un periòdic local, 2008
Rotativa sobre paper (1 + 1)
20 x 37 cm

Francesc Ruiz
Soy Sauce, 2004
Impressió offset sobre paper (4 + 4)
13 x 18 cm (4 elementos)

Exposición en línia #9

En el marc del taller demo_06

Exposició en línia #10

La expresión más in/significante del signo

La voz de Itziar Okariz y de sus colaboradores invade la planta baja de La Panera. El grano de la voz, tomando prestada la expresión de Roland Barthes, es el encargado de cosificar la invisibilidad de aquellos que habitan la muestra «Respiración y otros sonidos», quien traduce la imagen mental de la palabra a su representación sonora. La artista, que se resiste a la normativización y a las convenciones propias del lenguaje, experimenta con su desarticulación en busca de unidades de significación mínimas: sonidos, palabras, gritos, gestos, están aislados, descentrados, fragmentados, amplificados y repetidos, una vez, y otra, y otra, y otra.

Pero la repetición nunca sucede del mismo modo. Aunque quizás aparentemente no modifique nada en el objeto que se repite, sí lo hace en quien la contempla, y no solo porque la espera del elemento repetido suponga una anticipación de ese que previamente ya se ha retenido en la memoria, sino sobre todo porque —como dice Gilles Deleuze en su ensayo Diferencia y repetición— «el modo como la sensación, la percepción, pero también la necesidad y la herencia, el aprendizaje y el instinto, la inteligencia y la memoria participan de la repetición se mide en cada caso por la combinación de formas de repetición, por los niveles en los que se elaboran estas combinaciones, por la puesta en relación de estos niveles...». Cada una de las repeticiones ocurre en unas circunstancias y en un tiempo específicos que la hacen necesariamente única (e irrepetible). Cada nueva reproducción cede el espacio a la posibilidad de ser recibida por el visitante de un modo diferenciado, y de ser dotada así de nuevas significaciones. 

La exposición se abre en un estado de latencia en el que aparentemente nada sucede y al mismo tiempo todo está por suceder. Dos altavoces y una imagen congelada acechan silentes sendos momentos de activación. Por un lado, el registro de la performance Contrarywise (2010), donde Itziar Okariz estudia las posibilidades comunicativas que le ofrecen los adverbios de afirmación y de negación, y entra en diálogo con ella misma gracias al efecto espejo que le proporciona un dispositivo electrónico que le devuelve su propia voz con un retraso variable. Los giros imprevisibles que se producen en este desdoblamiento, tanto con respecto a la alternancia ritmada entre los síes y los noes como con respecto a la gradación de entonaciones, hacen evolucionar la conversación de la convicción a la duda, de la conformidad a la discusión. En la misma línea de investigación se sitúa Irrintzi. Repetición (2007), el documento videográfico de una acción que la artista realizó a puerta cerrada en los espacios del Museo Guggenheim de Bilbao. El irrintzi es una forma de lenguaje primigenia de la tradición vasca mediante la cual los pastores se comunicaban entre los valles gracias a la reverberación que les proporcionaban las montañas, y que con el tiempo se ha convertido en un símbolo identitario de celebración de la cultura vasca, e incluso en una herramienta de reivindicación política. Un grito ancestral que la artista ha puesto a prueba en múltiples ocasiones. En el espacio de La Panera, y con una frecuencia establecida, los irrintzis de Okariz irrumpen sin previo aviso y resuenan por todas partes, hasta el punto de cortocircuitar por unos instantes las demás intervenciones de la exposición. 

La performance ha sido transferida al espacio expositivo mediante una instalación que disocia la imagen del sonido. Este es un recurso en el que la artista está profundizando en sus trabajos más recientes, por ejemplo en Las estatuas (2018), que es una colección abierta de grabaciones de las conversaciones que mantiene con objetos inanimados como La musa de Brancusi, en el Guggenheim de Nueva York, o un atleta griego y un relicario del siglo XVI, en el Metropolitan. En ellas, la acción es grabada por la cámara de un móvil en la que se filtra el sonido ambiental del museo, pero no alcanza a capturar la voz de la artista. En este trabajo la narración se construye a partir de las ausencias que se generan por el desconocimiento de los contenidos de estas «conversaciones» (unilaterales) de las que solo percibimos el rastro. La propuesta pone en cuestión los estándares del acto comunicativo, de la misma manera que las acciones de Mear en espacios públicos y privados o Trepar edificios públicos supusieron un desafío a las normativas de comportamiento establecidas en estos espacios.  

La relación de seducción entre la cámara y la experiencia física de acciones más o menos comunes, como hablar, saltar o bailar, han estado presentes a lo largo de toda su carrera. En Un, dos, tres, pajarito inglés (2018), el acto consciente de respirar unido a la práctica de la congelación del movimiento propia de este juego infantil vertebra la propuesta. Imagen y sonido son de nuevo discriminados. Siete altavoces antropomorfos reproducen de forma casi escultórica el ejercicio de figuración sonora de un tipo de respiración de yoga llamada Ujjayi o respiración oceánica, que, como su nombre apunta, recuerda el rumor de las olas del mar. De acuerdo con las indicaciones de la artista, los intérpretes de este coro de respiraciones detenían su acción cuando la cámara los enfocaba. El tratamiento fragmentado y reiterado de la imagen azarosa registrada por la cámara y su proyección sobre los paneles acústicos que enmarcan la instalación la convierten casi en un patrón de estampación de resonancias orientales. 

Esta experimentación con la fragmentación, con la capacidad de narración de lo ausente (que no se ve o no se oye), la diferencia que habita en la repetición, la latencia y el gesto congelado ritman una muestra protagonizada por la búsqueda del signo mínimo de identidad con el que Itziar Okariz pone en relación las posibilidades de construcción espacial que le ofrece la escultura con la identificación de los límites y la transgresión de las normas que desarrolla a lo largo de su dilatada trayectoria en la práctica de la performance, cuando ya hace cerca de veinticinco años de esos días en los que bailaba ante el objetivo al ritmo de la banda pospunk Siouxsie and the Banshees. 

En esta ocasión Pau Elias colonizará el espacio miniPanera para realizar una instalación sonora con botellas llenas de agua de distintas texturas, colores y sonidos. Esta muestra ofrece una experiencia sensorial, en la que la luz y el sonido crearán una atmósfera idónea para acercarnos al juego sensorial en familia. Pau Elias es un músico especializado en pedagogía del lenguaje y educación musical. Cursó sus estudios en el Musikene de San Sebastián. Desde 2014 lleva a cabo Aquafonia, un proyecto pedagógico musical que experimenta las propiedades musicales del agua. Parte de la percusión corporal para buscar sonidos que nos transporten al medio acuático, de modo que crea breves composiciones con instrumentos «acuafónicos», lo que ofrece una experiencia sonora y visual con el agua como eje vertebrador. 

Con la colaboración de la publicación Partitures de l’art de sant martí de Joan Capafons.

Albert Bayona / Martin Llavaneras / Agnès Pe / Antoni Pinent / Bárbara Sánchez Barroso 

Esta exposición colectiva despliega una parte del Arxiu Javelina, una iniciativa del Centre d’Art La Panera que pretende consolidar un escenario específico para las artes visuales en el contexto de las tierras de Lleida, con la voluntad de romper los límites entre los conceptos, a veces excluyentes, de centro y periferia.

La exposición debe permitir descubrir y redescubrir artistas nacidos en Lleida con unos trabajos en plena consonancia con el lenguaje de las artes visuales contemporáneas. El factor territorial solo es el punto de partida, dado que las obras seleccionadas están producidas al margen de condicionantes locales y se enmarcan en discursos de plena vigencia en el arte actual. 

El proyecto expositivo se estructura en torno a una serie de artistas que trabajan distintos lenguajes audiovisuales, lejos de los formatos convencionales y subvirtiendo los marcos conceptuales y formales más convencionales e institucionalizados. «Los márgenes» indaga distintas prácticas audiovisuales, como el cine de exposición, la videoperformance, el found footage o la instalación.

El título «Los márgenes» alude a la naturaleza de los trabajos seleccionados, que queridamente se sitúan en oposición a los sistemas de representación institucionalizados en el ámbito audiovisual. Son artistas que, como Albert Bayona, prefieren rescatar y recontextualizar metrajes y filmaciones ya existentes, o como Antoni Pinent, indagar en la historia del cine experimental y hacer remakes de obras clásicas e incluso actualizarlas y ampliar su eco mediante las nuevas posibilidades que nos ofrece la tecnología. Siguiendo en el ámbito audiovisual, Bárbara Sánchez Barroso apuesta por el cine de exposición, cuidando escrupulosamente su forma y contenido, pero al margen de lo previsible y reconocible. Por otro lado, también encontramos artistas que desbordan el concepto de instalación, como Agnès Pe, y retoman actitudes que amplifican experiencias performativas de los sesenta, como lo demuestra Martin Llavaneras cuando se enfrenta a la naturaleza o al patrimonio cultural. 

Ediciones de la Sala d’Art Jove y La Panera, 2017 y 2018 
Miquel Cañelles / Pablo Lerma / Pol Masip / Guillem S. Arquer

El Centro de Arte La Panera presenta la 16ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centro de Arte La Panera lleva a cabo programas educativos, algunos de ellos asesorados por artistas, que comprenden desde escuelas infantiles de 0 a 3 años, educación infantil, educación primaria, secundaria y bachillerato, hasta la universidad, así como entidades de educación no formal e informal. La muestra tiene como objetivo hacer visibles los proyectos generados por los centros y las entidades que durante el año han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso de la Panera. Con esta premisa, las Jornadas nos sirven para valorar y reconocer públicamente la labor educativa de los diferentes centros de enseñanza y de su personal docente, así como de las entidades y profesionales que durante el año crean aprendizaje a partir del arte y la cultura contemporánea. 

Participantes:
EBM Bordeta, EBM Centro histórico, EBM Cappont, EBM Magraners, EBM Ronda - La Mercè, EBM Secà, EBM Balàfia, EBM Pardinyes, EBM la Mitjana, EBM Magraners, EBM Llívia, EBM Parc de Gardeny, EBM Grimm, EBM Rellotge, Escuela Infantil El Carrilet de Albatàrrec, Escuela Parc de l’Aigua (Lleida), Escuela La Creu (Torrefarrera), Escuela Pràctiques I (Lleida), Escuela Teresa Berguedà (Alguaire), Colegio Claver-Jesuïtes (Lleida), INS Màrius Torres (Lleida), Escuela de Arte Trama (Lleida), The Color Lab (Lleida), Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol (Lleida), Facultad de Educación, Psicologia y Trabajo Social, Grado de Educación Infantil modalitat Gestiones Creativas de la Universidad de Lleida, Fundación Arrels Sant Ignasi (Lleida), Área de Benestar Social i Gent Gran del Ayuntamiento de Lleida, Red de Servicios de Intervención Socioeducativa y Ciberaulas de Lleida y Hospital Universitari Arnau de Vilanova.

Centre d’Art Santa Mònica

Maria Montes es una diseñadora y artista catalana que vive en Australia desde 2006. Su obra incluye trabajos de caligrafía, lettering, ilustración, diseño textil y diseño de tipos. Desde su estudio en Melbourne, Maria imparte clases de iniciación a la caligrafía desde 2014.

«What a Shitshow» es una exposición cuyo hilo conductor es el lenguaje, los dichos populares y la escatología catalana como identidades culturales. En esta muestra, Maria presenta los últimos cinco años de producción artística en relación con elementos que forman parte de un ciclo natural relacionado con la tierra (ecologismo avant la lettre).

«De pe a pa» es una pequeña intervención de la diseñadora en el espacio miniPanera donde podremos encontrar originales de sus creaciones para comprender su proceso de trabajo. En el espacio se muestra un fular, diseñado durante su trayectoria en solitario, en el que parte de un dibujo sencillo para crear un estampado original y cargado de significado.  

Todavía hoy recordamos el episodio atribuido a Diógenes: un día luminoso, Alejandro Magno, rey de Macedonia, visitó al filósofo cínico, que vivía dentro de una tina en la más extrema pobreza. El rey se presentó, se le puso delante y le dijo: «Pídeme lo que quieras». Diógenes solo respondió: «Apártate, que me tapas el sol».

Siempre provocador, rechazando falsos honores y riquezas, Diógenes de Sinope (412 a. C. – 323 a. C.) preconizaba la desnudez y manifestaba de modo desacomplejado los excesos y vicios de la sociedad. Es justamente lo contrario al miedo y la compulsión posesiva característicos de esa enfermedad social contemporánea que se conoce con el nombre poco adecuado de «síndrome de Diógenes», por la que las personas solas, a pesar de vivir en ciudades populosas, se protegen de la angustia acumulando en casa una cantidad descontrolada de objetos, basuras o lujos; cosas, en definitiva, sin sentido.

El testigo de este filósofo griego de la Antigüedad se vuelve completamente pertinente en un contexto contemporáneo de sobreproducción y de desequilibrios sociales, económicos y ecológicos. Intuimos que hace falta una reflexión crítica profunda sobre el estado de las cosas y nuestras rutinas cotidianas. En este sentido, la filosofía radical de los cínicos, planteada desde la acción y la singularidad, tiene una prolongación en el arte contemporáneo. Con su capacidad para hacernos pensar de nuevo la realidad desde la metáfora y la paradoja, el arte también es un camino para reencontrar unos valores morales y hacer una reflexión desmitificadora y liberadora sobre la condición humana.

Hay una constante transgeneracional en el arte catalán contemporáneo que se basa en una reducción de medios, una simplicidad fundamental y una economía que, paradójicamente, redunda en la intensificación de los valores estéticos, y rechaza la retórica y el exceso. Son artistas que practican, al modo de Diógenes, una fragilidad que se convierte en fuente de fortaleza y de significado.

Una producción de Centre d’Art Tecla Sala.

Esta exposición muestra el resultado de un taller del artista Jordi Mitjà para La Saleta de La Panera, en el que participaron diecinueve personas, entre alumnos del ciclo de fotografía de la Escola d’Art Municipal Leandre Cristòfol y usuarios de La Saleta de La Panera, el comedor social  de la Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones. En el taller se trabajaron libros de artista, desde la posibilidad de generar ideas, debates y producciones artísticas, partiendo de objetos y materiales de bajo coste, concretamente con libros de viejo, que incluso se pueden conseguir gratuitamente a partir de las limpiezas periódicas de las bibliotecas (liberación de duplicados que regularmente las bibliotecas retiran). El potencial de este proyecto no solo radica en el coste de los materiales que utiliza, sino también en cómo cambiamos el uso del objeto del que partimos, descontextualizándolo a modo de un ready made y visibilizando sus distintas capas de interacción que se han acumulado a raíz de sus diferentes usos, con el objetivo de activar un debate sobre la vida activa de los objetos y de cómo estos cambian a medida que son depositarios de la interacción que llevan a cabo con ellos las distintas personas que los tienen.  Un modo de aproximarnos a los libros de artista, un formato híbrido entre literatura y artes visuales, a través de una metodología totalmente inclusiva. 

Inauguración: miércoles 11 de abril, a las 12 h 

Lugar: Biblioteca Pública de Lleida 

Organiza: Regidoria de les Polítiques per als Drets de les Persones, Escola Municipal d’Art Leandre Cristòfol, Centre d’Art La Panera y Biblioteca Pública de Lleida 

Colabora: Obra Social «la Caixa» y Serveis Territorials a Lleida del Departament de Cultura 

Con el título It’s not you. It’s me se presenta una selección de publicaciones y ediciones realizadas por Juan Pérez Agirregoikoa en las últimas dos décadas. Estas publicaciones se caracterizan por la diversidad de estrategias editoriales y por un acercamiento al papel como lugar de distribución de dibujos e ideas. La forma que estas ediciones adoptan es la del libro pop up, libro de artista, el múltiple o la recopilación de dibujos bajo una misma serie temática o conceptual. Algunas de estas ediciones contienen series de trabajos emblemáticos del artista, como El síndrome Muntadas, Citacions pour le président Sarkozy, o los Ex-votos. 


Tipografo en residencia 2018: La Coma Studio

Juan Pérez Agirregoikoa (San Sebastián, 1963) viene realizando una obra que tiene en la ideología, la religión, el capitalismo, la educación y la cultura sus dianas más mordaces. El título de la exposición hace alusión a un tiempo del calendario imaginario, fuera de la realidad y que hace de las efemérides políticas y revolucionarias un ritual un tanto absurdo. En sus dibujos, aparecen temas como la re-educación, el rechazo a la familia, la autoridad, la cultura como forma de adiestramiento, el amor al amo y con ello la consiguiente cesión a su deseo.

Esta exposición pone especial énfasis en el uso más reciente del medio audiovisual. Es el caso de Dead Letter, realizado con motivo de la Bienal de Sao Paulo en 2014. Aquí, Pérez Agirregoikoa realiza un filme en las afueras de la ciudad basada en El Evangelio según San Mateo de Pier Paolo Pasolini. Partiendo de algunos de los elementos formales y estéticos del original, el guión ha sido reescrito para cambiar el enfoque hacia unos versos bíblicos que el director italiano había pasado por alto. 

Una nueva producción realizada ex profeso, titulada Radio(a)phonie, continúa con esta estela, ahora centrándose en las relaciones entre la política y la educación. El hilo conductor es la educación (y la ausencia de ésta) desde una lectura de La República de Platón. El vídeo presta especial atención al libro VII y el mito de la caverna con sus juegos de sombras y reflexión sobre la naturaleza de la representación, de cómo vemos las cosas y cómo son en realidad. 

Con el objetivo de acercarnos a la tipografía y en su conjunto a los abecedarios, presentamos una recuperada edición facsímil de el Abecedari català per a nens, de Xavier Nogués , publicado por la Librería Nacional Catalana de Salvat Papasseit, el año 1920. A partir de este, mostramos una compilación de publicaciones y libros de artista, que nos presentan una gran diversidad de letras que nos ayudan a componer palabras y con ellas frases que narren acciones. Con la colaboración de Fundación Santander.