Exposiciones

Una producción del Centre d'Art la Panera con la colaboración de Fundación Santander

El espacio miniPanera presenta «Itziar Okariz. Respiración oceánica», una de las producciones del proyecto Encaixa’t 2021, un programa educativo de producción artística y de residencia, en el que formación y artistas se combinan para crear una propuesta dirigida especialmente al primer ciclo de educación infantil (de 0 a 3 años) y para todos los públicos.

Itziar Okariz es una artista multidisciplinar que proviene del mundo de la performance y del sonido. En esta ocasión ha hecho una adaptación de una de sus prácticas performáticas, Ujjayi. Ujjayi es un tipo de respiración que se realiza en las prácticas del yoga, del que Okariz es instructora. El significado de la palabra es ‘yo victorioso’; normalmente se traduce como ‘respiración oceánica’, porque esta es la imagen que genera. En el ámbito sonoro, la pieza acoge el coro de dos respiraciones que, de forma alternada y en un ritmo de menos a más, nos recuerda el murmullo de las olas de los mares y océanos. Okariz nos invita, a través de los sonidos más profundos, a adentrarnos en nuestra imaginación creando escenarios acuáticos que nunca se paran, que están en constante movimiento. La pieza irá acompañada de una serie de ilustraciones que hacen referencia al movimiento corporal realizadas por su hija Izar Ocariz.

Su intención es trasladar, a través de nuestro cuerpo, la escucha del sonido a la dimensión física. Esta vez, en el espacio miniPanera, experimentaremos con nuestro cuerpo, y sobre todo con la respiración. Pondremos especial atención a la representación de esta a partir de diferentes materiales y lenguajes que habrá en el mismo espacio.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones infantiles que hacen referencia a la práctica del yoga con niños y al mundo de los océanos. Esta aportación bibliográfica es gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida.

El título del proyecto alude a una descripción aparecida en el Códice florentino de Bernardino Sahagún (1499) —misionero franciscano que narra, en náhuatl, la vida de los habitantes originarios de Nuevo México antes de la colonización española—, que hace referencia a unos ornamentos indígenas hechos con palomitas de maíz.

La pieza Popcorn (2012) se articula a partir de un largometraje realizado con material promocional de la empresa de fotografía óptica Photron. La película de Adrià Julià prolonga hasta noventa minutos el clip originario de doce segundos, en el que un grano de maíz estalla a velocidad ralentizada. Esta coreografía más violenta que poética adopta cierto sentido metafórico, pues resulta difícil no asociarla a todo tipo de destrucciones. Dos pósteres completan la instalación.

America’s Sweethearts (2021) es un trabajo que explora el fenómeno del cierre de salas cinematográficas durante los últimos tiempos. Adrià Julià ha extraído diversas partes de la moqueta que tapaban el suelo de un cine en desuso. Con ellas ha cubierto el pavimento del espacio expositivo. La recuperación de dicho elemento, el nuevo estatuto y el régimen de uso que el artista le otorga suponen, simultáneamente, un ejercicio de arqueología, un gesto restitutivo y, por último, una metonimia de hacia dónde irán los ocios industrializados.

Existen formas de desorientación que no se relacionan tanto con encontrar o buscar una dirección en el espacio o el tiempo como con la experiencia de una pérdida de sentido más difusa y profunda. Uno de los motivos de esta desorientación deriva del desajuste que se produce al comprobar que los relatos que estructuran nuestras vidas son una suerte de profecías contemporáneas, caducas pero vigentes, que nunca terminan de cumplirse de manera satisfactoria. La noción de «mancha» que utiliza Lúa Coderch se refiere precisamente a esta experiencia de desorientación y de desencaje que se vive como individual, pero que en realidad es compartida, y que nos pertenece más que ninguna otra cosa. Los dos capítulos del vídeo que se presentan en la exposición, incluidos en un proyecto más amplio titulado «Palacio de viento», actualizan y modifican elementos narrativos de la mitología y el teatro griegos. Aquí vemos un viaje nocturno y solitario en el que su protagonista es interceptada por tres personajes, una suerte de sirenas que componen un coro, que le plantearán la urgencia de implicarse en la búsqueda de una forma de orientación. A cambio, ofrecerán respuestas, si bien contradictorias, a preguntas que ella no ha elaborado del todo. La exposición propone una dirección cuyo sentido está por resolverse en el futuro, así como una serie de elementos físicos que expanden el relato a otros soportes materiales dentro del espacio.

Sonia Fernández Pan

Abril que fas florir les roses… es el inicio de uno de los últimos versos del poema Un altre abril (1938), de Màrius Torres. Con estas palabras, la fotografía, Barra y aro (mueble y jarrón) 2015, y el molde Manzana, Ciprés, Barca y Barranco 2021 nos acercamos al proceso escultórico de David Bestué; en el que la poesía ha sido siempre un referente que lo acompaña. Bestué no modela, ni talla la materia para hacer escultura, sino que se centra en el vaciado de los objetos reales que recoge en sus paseos. Sus moldes los rellena con materiales polvorizados que provienen de estos objetos, para crear una nueva forma, que no tiene por qué tener relación directa con el objeto inicial. Este saber hacer suyo lo define como la acción de llevar a cabo un «poema sin palabras», donde pone en juego la manipulación de los materiales creando nuevas formas y nuevos significados, nuevas relaciones a menudo afectivas y emocionales con el territorio. Su intención es llevar el lenguaje a la dimensión física, a través del material y las texturas. Con esta premisa, en el espacio miniPanera reflexionamos a partir de la observación y la experimentación sobre los diferentes materiales, poniendo especial atención en sus texturas y olores, que nos evocarán recuerdos o pensamientos a los que daremos una nueva forma. El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil. Finalmente, nos podremos llevar una bolsita con arcilla y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

El espacio se complementa con una selección de publicaciones de poesía infantil gracias a la colaboración de la Biblioteca Pública de Lleida. Al final, nos podremos llevar una bolsita con tierra y semillas para hacer florecer nuestra primavera.

En «Pastoral», David Bestué adopta técnicas de procesado industrial para cuestionar la capacidad de representación de la escultura. La exposición presenta piezas de reciente y nueva producción que integran en su composición elementos vinculados al territorio, pero también obras de autoría diversa. El conjunto establece un marco temporal amplio que incide en cuestiones como los procesos de conservación y la relación entre tiempo y materia.

David Bestué situa en el centro de su investigación lo que él llama grado cero. El grado cero es el resultado de procedimientos que alteran la composición de un cuerpo sólido y lo reducen a partículas. Con esta operación, Bestué anula las funciones expresivas del objeto y restringe sus cualidades formales a propiedades como el peso o la consistencia.

A la vez, este retroceso formal o «empobrecimiento de la forma» pone en duda la capacidad descriptiva de los materiales que, tras ser procesados, solo pueden manifestarse disgregados o compactados. Su inconsistencia e inestabilidad dificultan su registro visual y reducen su representación a formas de circulación y suspensión, a su concentración y atomización. Bestué emplea moldes para otorgar una nueva estructura a estos materiales en bruto, que de este modo recobran su corporeidad y establecen una nueva relación con el espacio.

La consecuencia principal de este proceso es que se produce una merma significativa entre el objeto y su enunciado. Pero ¿puede la palabra restaurar una presencia? ¿Puede la trazabilidad de un material soportar el peso de una imagen? Además de interferir en su forma, ¿en qué modo el proceso de conservación altera los significados?

«Pastoral» describe dos modelos de presencia que se manifiestan en el plano material: el de un «presente que pasa» y el de un «pasado suspendido en el tiempo». Ambos modelos se sustentan en los principios de orden y organización, criterios que aplicamos para determinar qué debe ser conservado y qué debe ser desechado. Situada en el centro de esta metódica estructura, la materia se revela como un agente colaborador que actúa de forma ambivalente: mientras que con su solidez contribuye a avivar la memoria, con su precariedad deroga el recuerdo.

Siguiendo la línea expositiva del Centre de Documentació de la Panera, presentamos una exposición de la editorial Caniche, creada en 2015 por Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Como indican sus responsables, Caniche nace con el propósito de dar visibilidad a propuestas que, de otro modo, no serían accesibles al público, intervenciones a las que ellos llaman asaltos. Acciones convertidas en libros o libros convertidos en acciones.

Sus ediciones no presentan un diseño común, ni un patrón determinado, ni una temática concreta. Cada edición es un proyecto completamente nuevo, diferente y singular que entrelaza arquitectura, diseño, arte, escritura, fotografía, instalación o performance.

Presentan ediciones de artistas como Mateo Navarro, Paula García-Masedo, Guillermo Mora, Nacho Canut / Alaska, David Bestué, Husos, Martín-Gamero, Cai Tomos + Debajo del Sombrero, Karlos Martínez B. y Javier Arbizu, Andrés Fernández, Yolanda Andrés, Rafa Munárriz, Javier Codesal, Cerralbo Santomá, Carlos Irijalba, Cristina Garrido, Txomin Badiola, Elena del Rivero, Antonio Ballester Moreno y Moises Puente.

Con este tipo de muestras se pretende dar apoyo y difusión a las publicaciones especiales, a los libros de artista y a las editoriales que, como Caniche, los editan, y por eso la Panera les dedica un espacio para su presentación.

Por otro lado, de esta forma también va aumentando el fondo especial de la Panera, iniciado en 2004 y que cuenta ya con más de 1.000 ediciones.

Yuxtaponiendo dos nuevos proyectos, la exposición «Graves» de Lara Almarcegui ofrece una perspectiva geológica de la zona de Lleida y la llanura del río Segre a través de la relación entre el entorno construido y el extenso cinturón montañoso de los Pirineos, formado hace entre 80 y 20 millones de años cuando la península ibérica chocó contra el resto de Europa.

Roques i materials de la serralada dels Pirineus  es una respuesta a la pregunta: ¿qué cantidad de qué rocas y materiales constituyen los Pirineos? Se ha obtenido la respuesta con la colaboración de geólogos a través de una compleja serie de aclaraciones, cálculos y modelado en 3D. ¿Dónde empiezan y terminan los Pirineos? ¿Cuál es el grado de detalle deseable?

Gravera se pregunta: ¿qué posibilidades empiezan a aparecer cuando se detiene la excavación de una cantera? Más concretamente, ¿qué ocurre cuando La Plana del Corb, el complejo industrial de Sorigué cerca de la localidad de Balaguer, deja de funcionar durante un día? La respuesta adopta la forma de un día de puertas abiertas en la cantera el 19 de febrero de 2021 durante el cual los visitantes experimentan este lugar habitualmente bullicioso y ruidoso como un lugar de contemplación, así como un vídeo que presenta documentación de la misma cantera congelada en el tiempo.

Entre estos dos nuevos proyectos de Almarcegui la complicada sima del centro de arte y sus paredes de piedra sugieren un imaginario estratigráfico dominado por la lenta violencia de la transformación morfológica de la Tierra contrapuesta al carácter temporal de la construcción artificial.

– Latitudes

Una producción del Centre d’Art la Panera, con la colaboración de la Fundació Sorigué y el Centro de Arte y Naturaleza de Huesca

En la exposición se analiza el poder de los media, de la omnipotencia de la imagen y cómo su presencia se incorpora de lleno en todos los lugares.
A partir de pequeños textos, frases y eslóganes, se utilizan carteles, libros de artista, tampones y pegatinas para poner de manifiesto cómo los medios manipulan y comunican la realidad. Más allá del museo, la exposición se abre hacia la ciudad, interaccionando con el individuo y exponiéndolo, de esta manera, ante los acontecimientos y su interpretación.
Los media transforman la realidad en espectáculo, en un simulacro; sutilmente utilizan la intercesión y la intercepción para crear el mensaje. Lo que subyace es una realidad inversa, fragmentada, una representación simplificada de la realidad.
Es en la televisión donde se evidencian de forma más clara las diferencias entre lo que se emite y lo que se omite, entre la palabra visión y la dicción. En la televisión son los índices de audiencia los que toman protagonismo y convierten al espectador en agente pasivo, sin control sobre la realidad televisada. El espectador seducido por las imágenes se convierte en un voyeur fascinado por la apariencia. Solo le queda una única acción, cambiar de canal.
Lo que propongo es desarrollar un pensamiento crítico a través del que la participación ciudadana tome posición ante esta realidad inversa.

Rogelio López Cuenca siempre ha trabajado desde un punto de vista crítico con la realidad que nos rodea. Utilizando un lenguaje directo, que se sirve de la cita y la apropiación, emite mensajes directos que nos obligan a cuestionarnos aspectos que han dado forma y estructuran determinadas formas de pensar y funcionar en el terreno teórico, político y económico.

En este sentido, el proyecto expositivo que presentará en la Panera se articula alrededor de dos grandes temas que han vertebrado su trayectoria hasta el día de hoy. Por un lado, el extenso trabajo El paraíso es de los extraños (2001) aborda como Occidente ha construido y todavía construye una imagen del mundo árabe–islámico a partir del orientalismo del siglo XIX, generando idearios e iconografías distorsionadas y equívocas que aún turban más la percepción que tenemos en Occidente de los fenómenos migratorios. Por otro lado, en obras como Nerja Once (2004), y sobre todo en el reciente proyecto Málaga ciudad Picasso (2011), advertiremos cuál ha sido el impacto del turismo como elemento transformador de las regiones y ciudades. De hecho, un caso emblemático es el de Málaga, que ha hecho de Picasso su emblema y motor turístico hasta el punto de banalizar la figura de un artista que definió la vanguardia, pero que, en el ámbito popular, tal y como demuestra Rogelio López Cuenca en su gran instalación, no es más que un souvenir.

Geometría, color y tipografía directos. Así podríamos definir a Hey, un estudio creativo con sede en Barcelona, desde 2007, con Verónica Fuerte al frente. Trabaja mayoritariamente en proyectos de diseño gráfico, ilustración y tipografía, teniendo en cuenta todos los procesos del diseño y evolucionando y adaptándose continuamente para hallar nuevas ideas.

La exposición de una selección de las piezas de la colección Censored, de Tatxo Benet, en el Centre d’Art la Panera pretende no solo incidir en la visualización de las atrocidades que, por motivos distintos, se han ocultado en diferentes puntos del mundo, sino visualizar, a modo de reto, la propia censura en tanto que atrocidad. Más que un fantasma procedente de los antiguos regímenes totalitarios o de la remota Santa Inquisición, la complejidad que presenta la censura en las sociedades contemporáneas hace necesario afinar en la comprensión de su multiplicación de caras.

Abel Azcona / Amina Benbouchta / Jordi Benito / Clemente Bernad / Zoulikha Bouabdellah / David Černý / Fabián Cháirez / Colectivo Mujeres Públicas / Charo Corrales / Zehra Doğan / Ines Doujak / Mounir Fatmi / León Ferrari / Joan Fontcuberta / Daniel García Andújar / Núria Güell / Levi Orta / Jani Leinonen / Natalia LL (Natalia Lach-Lachowicz) / Robert Mapplethorpe / Eugenio Merino / Marta Minujín / Antoni Muntadas / Yoshua Okón / Pablo Picasso / Oliver Ressler / Larissa Sansour / Kim Seo-kyung i Kim Eun-sung / Andrés Serrano / Santiago Sierra / Antoni Tàpies / Ai Weiwei i David Wojnarowicz

Una producción del Centre d'Art la Panera y Censored, con la colaboración del Museu de Lleida.

Los números son realmente más importantes de lo que imaginamos; todo lo que nos rodea tiene alguna relación con ellos. Desde la antigüedad el ser humano ha agudizado el ingenio para contar; hoy es la tecnología quien resuelve todos nuestros problemas matemáticos diarios. ¿Esto nos convierte en seres «anuméricos»? ¿Hemos dejado de contar?
Os invitamos a pensar en ello, para que, todos juntos, intentemos adivinar este jeroglífico que son los números naturales.

En esta  exposición se presenta la colección completa del Centre d’Art la Panera como parte de un tejido de vínculos, acontecimientos, encuentros, accidentes, casualidades y asociaciones que no tiene o no quiere tener pretensión objetiva. Las obras tendrán una presencia real en la exposición o estarán presentes a través de un complejo entramado documental. Esta relectura de la colección se ha encargado a RMS, La Asociación una agencia de producción cultural que trabaja  en el comisariado, la gestión y producción de proyectos artísticos.

La exposición Contextos en desuso amplía su ámbito de análisis y relaciones en las publicaciones especiales que a lo largo de estos años ha ido coleccionando el Centro de Documentación de La Panera.

Esta exposición nos permitirá descubrir con profundidad el trabajo de Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1972), que a estas alturas ya presenta una sólida trayectoria. Es un artista deudor del minimalismo y del arte conceptual; ahora bien, su singularidad es fruto de la capacidad para revisar y dilatar el legado de estos movimientos de los años sesenta y setenta. El artista se ha autoimpuesto una serie de materiales limitados —herramientas, objetos de oficina y todo tipo de actividades laborales repetitivas y rutinarias, con referencia a una experiencia vital anterior— y una metodología basada en la acción reiterada y mecánica. La materialización de su trabajo, sin embargo, no cae en la frialdad y el hermetismo, sino que reivindica la manualidad a la vez que incorpora un carácter táctil. Conceptualmente son propuestas cargadas de ingenio y audacia, fruto de una gran pericia y perseverancia. Al mismo tiempo, Uriarte pone en juego múltiples técnicas (dibujo, escultura, instalación, fotografía, vídeo…), que contribuyen a enriquecer un discurso propio y autorreferencial con lo vivido y con el medio artístico.

Exposición coproducida con la Sala Rekalde, Bilbao. Diputación Foral de Bizkaia.

Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura

acultat de ciències de l’educació. UdL

La presente muestra recoge las obras de los artistas Consuelo Bautista y Valeriano López, ambos artistas contemplan las relaciones que se producen entre norte y sur, entre los países que se consideran desarrollados y subdesarrollados. Estas relaciones van totalmente ligadas con el proceso de traslado, es decir los viajes que las personas tienen que afrontar paraconseguir sus deseos de iniciar una nueva vida en otro país y cultura diferente a la suya. Norte-Sur también refleja los restos de estos viajes, unos traslados en condiciones difíciles y peligrosaspero que son la alternativa a nuevos proyectos de vida.

El ciclo Norte-Sur concluirá con una exposición de Rogelio López Cuenca.

Consuelo Bautista (Colómbia)
Los invisibles, 2001-2004
Fotografia b/n sobre papel de periódico
En la serie fotográfica titulada Los invisibles, Consuelo Bautista otorga todo el protagonismo a la ausencia. Las imágenes,presentadas en edición impresa sobre papel de periódico, muestran el rastro de personas, que dejando atrás su tierra, buscan a través del mar un destino mejor. Las instantáneas han sido tomadas desde la costa de Tarifa, y muestran sólo la parte material de un exilio forzoso. Estos restos de objetos evocan la pobreza como principal motivo de las migraciones desde África, al tiempo que sutilmente plantean la invisibilidad de todas las personas que tienen que vivir estas situaciones.

Valeriano López (Huéscar, Granada, 1963)
Estrecho Adventure, 1996
Vídeo 6’22’’
Este trabajo de Valeriano López se centra en una problemática social muy actual: la migración de la gente proveniente de países desfavorecidos económicamente o en conflicto armado. La búsqueda de nuevas oportunidades para la gente de las naciones del norte de África se concibe como hilo argumental de este vídeo, que se presenta como un videojuego de plataformas. A través de los diversos niveles, el protagonista-un joven marroquí-deberá salvar las distancias y los obstáculos que le separan de la, supuestamente, utópica Europa.

Entendemos tipografía como el arte o la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. La tipografía, siguiendo proyecciones tecnológicas y artísticas, ha ido evolucionando con el tiempo como reflejo de una época.

Actualmente, la informática ha revolucionado la tipografía, haciendo posible la creación de nuevas fuentes tipográficas de forma más cómoda y fácil.

En la Panera, diferentes tipógrafos, a través de sus tipografías, nos dejarán un mensaje sobre la crisis y el momento de caos que estamos viviendo.

Andreu Balius / Pilar Cano / Iván Castro / Marta Cerdà / Jordi Embodes / Iñigo Jérez / Laura Meseguer / Xavi Palouzie / Josep Patau / Júlia Solans / Iris Tarraga y Lucia Castro / Albert Trulls

Los libros están llenos de letras, dibujos, historias, aventuras y muchas más cosas; todas muy curiosas. ¿Pero alguna vez habéis imaginado que un libro también puede ser un juego? En el espacio miniPanera os esperemos con una muestra de libros para jugar. Son libros diferentes, divertidos, que ejercitan la imaginación y la creatividad de los más pequeños. Los hay de todas las formas, medidas y colores, con pestañas, en 3D, etc.; cada una de les piezas son diseños únicos, que esconden juegos que no te puedes perder.

Facultat de Ciències de l’Educació UdL

Rogelio López Cuenca siempre ha trabajado desde un punto de vista crítico con la realidad que nos rodea. Acostumbra a utilizar la cita y la apropiación para emitir mensajes directos que nos obligan a cuestionarnos determinadas formas de pensar y funcionar en el terreno teórico, político y económico.
A partilha es una traducción de Le partage (‘El reparto’), que surge del texto Le partage du sensible (Jacques Rancière, 2000), en el que el filósofo francés desarrolla una idea estética de la política según la cual la estética se estructura a partir de la división de lo sensible. En este sentido, considera que las relaciones de poder generan formas estéticas y, de manera inversa, las expresiones culturales representan o simbolizan el poder o contrapoder. Así podemos afirmar que todo acto estético es político.
En la obra que nos ocupa, Rogelio López Cuenca nos entrega un ensayo visual formado por cuatro imágenes que guardan un rasgo en común, a partir del cual se puede construir una red de relaciones que funciona por oposición y diferencia. La publicidad comercial, la fotografía deportiva, la pintura orientalista decimonónica y el fotoperiodismo de guerra nos ofrecen distintas aproximaciones a la realidad, y su interrelación a partir de la yuxtaposición provoca múltiples lecturas que dependen de la mirada de cada espectador.

En esta muestra, el artista pretende modificar el espacio arquitectónico de La Panera a través del dibujo y del vídeo. Su obra a menudo se ha concebido a partir de la utilización de materiales efímeros, como la cinta adhesiva, los vinilos, las pegatinas, las fotocopias, los carteles publicitarios o el propio mobiliario urbano. Para «A la derriba», Juan López plantea una intervención a partir de la cual los muros del espacio expositivo se resquebrajan para dar paso al espacio urbano que rodea el centro. Igualmente, el mobiliario urbano también deviene atrezzo para habitar de manera efímera el espacio, y así, la Panera es engullida por la ciudad.
Tal y como ya ha planteado en exposiciones anteriores, Juan López utiliza los espacios arquitectónicos como soporte para sus intervenciones. En este caso, el artista trata de reconocer el centro a través del espacio urbano que lo rodea. Así, integrando todo lo que configura y define los alrededores de La Panera, Juan López ha ideado un tránsito, un no-espacio donde el espectador podrá repensar los edificios y los lugares que habitamos, y con los que interactuemos a diario. Por tanto, a partir de una reflexión constante sobre la ciudad y los espacios que la definen, Juan López insta al espectador a cuestionar la continuidad entre el espacio exterior y el territorio artístico.