Exposiciones

Esta exposición colectiva analiza cómo el arte contemporáneo se ha enfrentado a la enfermedad desde distintas vertientes: ámbito hospitalario, ámbito preventivo, experiencia y vivencia de la enfermedad por parte de otros o por parte del propio artista… Más allá de lo que puede representar la enfermedad como tal, los artistas participantes nos invitan a reflexionar sobre la vulnerabilidad de nuestros cuerpos y de nuestra vida, algo que, nos guste o no, es inherente a la condición humana. Dolor y alegría, vida y muerte… son caras de una misma moneda.

La exposición coincidirá con el Congreso Internacional de Cuidados Paliativos, que se celebrará en Lleida del 5 al 7 de junio de 2014, organizado por el Hospital Universitari Arnau de Vilanova.

Elssie Ansareo, Mira Bernabeu, Javier Codesal y Julia Siero, Pepe Espaliú y Joan Fontcuberta

Espai DAFO

«Vitrina#2» es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de Dafo que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplia la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario o independiente a la exposición actual.

Egolactante, tercera etapa, es un proyecto de Javier Peñafiel que se sitúa en el intervalo de mediación entre espacio y proyecto a partir de las obras de la colección de la Panera Adivina estos dibujos (2003) y Familia plural vigilante (2005), las cuales en esta ocasión se amplían con el blog del propio artista i una serie de textos que activan los distintos personajes de Familia plural vigilante. Con esta tercera etapa de «Egolactante», Peñafiel imprime una capa más en el diálogo entre artista y personaje, presentando con una actitud lle na de ironía relatos vinculados a la construcción de la identidad.

Espai DAFO


Inauguración 6 de junio a las 19h con la performance “Discoteca petada bailando Milli Vanilli sin poder parar” de Ryan Rivadeneyra.

«La figura perfecta» se centra en la idea de orden cósmico, y en el análisis entre lo sagrado y lo profano, para incidir en las relaciones y analogías entre los elementos mágicos y el poder. Se trata de un planteamiento próximo a situaciones y momentos a medio camino entre la experiencia física y el valor narrativo que, mediante un discurso flexible —con tintes paródicos, y no exentos de humor— destila una actitud de confianza máxima ante el esfuerzo por descifrar aspectos como la cualidad sobrenatural, la fantasía, la simbología o el enigma.

En este sentido, «La figura perfecta» supone un diálogo cruzado entre tres artistas de procedencias distintas —Elena Alonso, Ariadna Parreu y Ryan Rivadeneyra— que, pese a trabajar con distintos registros (dibujo, vídeo, instalación o performance), comparten complicidades e intereses comunes: la mezcla de realidad y ficción, la construcción de mundos supremos y la especulación sobre la interpretación de nuestro entorno próximo, y establecen procesos difusos cercanos a la profecía, la ciencias ocultas y los rituales.

Elena Alonso toma como punto de partida una serie de dibujos que de manera minuciosa configuran aleatoriamente una escritura críptica que recuerda las piedras, las tabas o los huesos tirados al azar por adivinos. En referencia a esas líneas (2013) aplica ese tipo de antropología donde la medida y el orden se contraponen a la fascinación del dibujo, lo que se refuerza en Mesa de estudio y Cartabón (2014), dos piezas escultóricas que recuperan el relato enigmático que transita entre el origen y la reencarnación.

Ariadna Parreu analiza y resuelve cuestiones de carácter metafísico, imposible o absurdo, a través de relacionar bases científicas contrapuestas a aspectos humanos, inmateriales o cósmicos. Se trata de una investigación que, con Triunfo y orden (2011) y Sideritos (2014), se centra en el estudio de las relaciones de los objetos procedentes del espacio, a través de la leyenda y la especulación de la historia, que, mediante la instalación, conecta con la fascinación de lo sensorial y los aspectos mágicos.

Ryan Rivadeneyra estetiza y analiza su entorno más próximo para convertirlo en piezas narradas a modo de powerpoint que se acaban formalizando en performances o conferencias «performáticas». Se trata de una construcción de genealogías y pensamientos que genera unos relatos que fluctúan entre anécdotas ficticias e históricas, que desprenden una especie de espiritualidad de varios órdenes, desde la identidad humana hasta la configuración de la civilización. Con Discoteca petada bailando Mili Vanilli sin poder parar (2014) y Sexy Miami Futuristic Cocktail Lounge (from the past), (2013), utiliza unos recursos a modo de crónica y micronarrativas, donde el ritmo y la coreografía encaminan y envuelven varias aficiones obsesivas y estéticas desafiantes.

Los hermanos Juan y Alejandro Mingarro (Huesca, 1978 y 1981) son los creadores de un original universo visual y conceptual que, bajo el nombre de Brosmind, despliegan tanto en sus trabajos comerciales de ilustración como en sus proyectos personales multidisciplinares.

Su inconfundible estilo es el resultado de más de treinta años de trabajo en equipo, pues ya de niños formaban un prolífica pareja creativa que generó gran cantidad de material en los campos del cómic, el modelismo y el vídeo.

La muestra «BROSMIND» es la retrospectiva más extensa realizada sobre Brosmind hasta la fecha, y reunirá por primera vez en un mismo espacio ejemplos de todas las facetas del estudio.

Esta exposición forma parte del proyecto «Doble dirección», que empieza el mes de febrero con una primera entrega: una selección de obras de la colección del Centre d’Art la Panera se expondrá en las salas del FRAC Córcega, en la ciudad de Corte. Las obras presentadas pertenecen a los creadores siguientes: La Ribot, Eulàlia Valldosera, Javier Peñafiel, Antoni Abad, Txomin Badiola, Juan Pablo Ballester, Javier Codesal, Casilda Sánchez, Bestué/Vives, Abigail Lazkoz, Daniel Canogar, Francesc Ruiz, Ester Partegàs, Jordi Bernadó, Alicia Framis, Izaskun Chinchilla y Azúa/Moliné.

La segunda parte del proyecto, que tendrá lugar del 18 de junio al 5 de octubre de este año, mostrará una selección de obras de la colección del FRAC Córcega, la cual recogerá uno de los rasgos fundamentales que ha ido definiendo esta colección pública francesa, como es la vinculación del arte contemporáneo con el mundo, con sus elementos básicos, como la tierra, el aire y el agua, el cielo, el mar, las islas…, y ofrecerá una particular visión sobre el Mediterráneo. Los artistas presentes son: Claudio Parmiggiani, Giovanni Anselmo, I. F. P., Marthe Wery, Jana Sterbak, Marcel Dinahet, Bill Culbert, Ignasi Aballí, Jean-Luc Moulène, Jean-Marc Bustamante, Rodney Graham, Hugues Reip, Michelangelo Pistoletto, Marylène Negro, Wilfredo Prieto, Martine Aballéa, Etienne Bossut, Ange Leccia, Dominique Degli Esposti, Adrien Porcu y Agnès Accorsi.

FRAC Corse 15/02/2014 / 15/05/2014
Centre d’art la Panera 19.06.2014 / 05.10.2014

El Centre d’Art la Panera presenta la 12ª edición de las Jornadas de Puertas Abiertas. Durante el curso escolar, el Centre d’Art la Panera lleva a cabo programas educativos, que incluyen desde jardines de infancia, educación infantil, educación primaria y secundaria y bachillerato, hasta la universidad y la educación no formal. Con el inicio de cada nuevo curso, la Panera organiza las Jornadas de Puertas Abiertas, que sirven para visibilizar las producciones artísticas y los trabajos generados por los centros y las entidades que durante el año escolar han seguido las propuestas pedagógicas de las exposiciones en curso. Por lo tanto, las Jornadas tienen una doble finalidad: por un lado, valorar las exposiciones trabajadas y su trasfondo educativo a través del retorno de los trabajos y las producciones artísticas de los participantes; por el otro, hacer visible la tarea educativa de los distintos centros de enseñanza y de su personal docente, a partir del trabajo sobre el arte y la cultura contemporáneos.

El mismo día a las 18:00 h se realizará una reunión informativa para el profesorado sobre la nueva programación expositiva del curso 2014–2015. Para asistir les rogamos que confirmen la asistencia a educaciolapanera@paeria.cat. La inauguración tendrá lugar en el Centre d’Art la Panera, a las 19:00 h.

Facultat de Ciències de l’Educació, UdL

Con la presentación de las dos fotografías de Eulàlia Valldosera pertenecientes a la colección de la Panera pretendemos abrir un debate y reflexión en torno a los usos y significados de los elementos de rechazo y qué relaciones podemos llegar a establecer con ellos.

Por otra parte, la artista Sara Ramo, a propósito de la exposición individual que presenta en la Panera, dará una conferencia, a las 17:00h,  centrada en su trayectoria profesional.

El espacio Vitrina es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de DAFO que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplía la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario, o independiente a la exposición actual.

Up & Down es un proyecto de Francesc Ruiz que mediante el dibujo y un lenguaje cercano al cómic y la viñeta, se sitúa en el ámbito del ocio nocturno donde construye un complejo mapa mental de ambientes, grupos sociales, dinámicas de consumo y derivas urbanas, a partir de narrar historias individuales y colectivas.

En este sentido, para Vitrina # 3, Up & Down se amplía y se reconvierte en varios flyers publicitarios donde focaliza los estados emocionales sobre algunos de los detalles de la pieza central que, a partir de fotocopias y la firma del promotor nocturno, permitirán revisitar el espacio, la diversión, y los diferentes estatus, usos, y costumbres de su público habitual.

En 1973 Marlon Brando rechazó el Óscar al que había sido nominado por su actuación en The godfather. No fue a recoger la estatuilla y envió, en su lugar, a una joven india que habló denunciando el maltrato que sufren los indios norteamericanos en manos de la industria del cine. Cuarenta años más tarde, un joven de quince años rechazó el premio que había ganado en un concurso convocado por Antena 3, por la realización de un vídeo sobre la obsolescencia programada, ante la contradicción de recibir un iPod como trofeo. Entre un caso y otro se han sucedido muchos otros casos en los que los ganadores rechazan los galardones, el juicio, la academia… Ellos son Los rechazados.
Los rechazados cuestiona cómo los formatos a priori críticos, o que tratan de desarrollar una crítica institucional, pueden convertir-se en canon, a partir de la búsqueda de un gesto concreto y paradigmático en este sentido: personas que han sido premiadas en distintos campos del saber y en distintas disciplinas y que, por motivos varios, han renunciado al galardón.
A menudo puede ser un gesto de menosprecio hacia la legitimación que significa el galardón: es despreciar el jurado, la academia o el significado de la pertenencia a un colectivo mayor que establece unas normas. Rechazar un premio, en este sentido, puede ser un gesto convulsivo y políticamente incorrecto que altere el curso de lo que se espera. ¿Pero qué pasa cuando lo revisamos y nos damos cuenta de que este es un hecho  que se ha repetido y se repite año tras año en las tribunas de muchos premios o con cartas a la prensa? El espacio de rebote constituye otra tribuna, un espacio de denuncia, o de reivindicación, o simplemente un escaparate publicitario, donde los altavoces llegan más lejos que los del propio premio.

Caterina Almirall | Miquel García | Antonia del Río

Projecte d’edició Sala Art Jove – Centre d’art la Panera, 2014.

Where dreams are made (Donde nacen los sueños) es la fábrica de sueños en la que se transformará la miniPanera: un parque de atracciones lleno de creatividad, imaginación y juegos. Un lugar reservado para que los más pequeños puedan pedir los deseos más grandes. La ilustradora Lara Costafreda realizará un mural gigante con muchos molinillos de viento para que nadie se vaya sin pedir su deseo de Navidad.

El Centre d’Art la Panera acoge la exposición Desvelo y Traza de Sara Ramo, comisariada por Manuela Villa y coproducida con Matadero Madrid.
Para esta propuesta, Sara Ramo pretende que el espectador descubra, con la mínima luz posible, las formas que se le presentan delante. Sin ningún tipo de indicación, será el mismo visitante el que desvele y trace las líneas que resuelven el contenido del espacio a oscuras.
A partir de un trabajo anterior titulado «Penumbra», de 2012, realizado en Río de Janeiro para la Fundação Eva Klabin, y con la influencia de autores como Helio Oiticica o Lygia Clark, Sara Ramo propone un trabajo sensorial basado en la experiencia y la construcción de imágenes, a partir del imaginario de cada uno. Se trata de un ejercicio de confrontación con el silencio y de lucha con la oscuridad, a partir del desvelo como estadio que precede al sueño, que nos mantiene vigilantes y atentos, pero a la vez inmersos en un estado que se sitúa entre la realidad y la ficción. 
A través de la organización y la disposición de objetos en desuso de exposiciones y actividades realizadas en la Panera, y como si se tratara de esculturas escondidas en la penumbra, Sara Ramo juega con la percepción del espacio por parte del público y le propone que extraiga de su imaginario personal, y por analogía, las imágenes que le sugieren. Así, a través de esta propuesta expositiva, será el propio espectador el que construya lo que ve y lo que no ve.
De forma sutil, las formas irán haciéndose visibles entre las sombras. Frente a una realidad en la que se está acostumbrado a la inmediatez y a la sucesión incesante de imágenes, la artista propone un ejercicio de paciencia, de espera y de descubrimiento. Esta pulsión escópica hará que el espectador quiera resolver qué hay en la penumbra, e indague en su imaginario para hacerlo visible.

Desvelo y Traza ha sido coproducida con Matadero Madrid, donde se pudo ver entre el 25 de mayo y el 31 de agosto de 2014.

La exposición «Nada se detiene» propone establecer un diálogo entre la Col•lecció Josep Suñol y la colección del Centre d’Art la Panera a través de la muestra de una selección de treinta y ocho piezas procedentes de ambas colecciones.
 
La Col·lecció Josep Suñol se empezó a configurar en los años setenta y contiene obras fechadas entre 1915 y 2008. Por su parte, la colección del Centre d’Art la Panera contiene obras desde finales de los noventa hasta hoy, que el Ayuntamiento de Lleida viene reuniendo a lo largo de las ocho ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol. Esta última se puede entender como la continuación, en muchos sentidos, del testimonio del siglo XX que ofrece la Col·lecció Josep Suñol.

Artistas de la colección del Centre d’Art la Panera
Francesc Abad, Ana Laura Aláez, Lara Almarcegui, Basurama, Daniel Canogar, Patrícia Dauder, Álex Francés, Abigail Lazkoz, Juan López, Julia Montilla, Juan Luis Moraza, Felicidad Moreno, Marina Núñez, Alberto Peral, MP & MP Rosado y Eulàlia Valldosera.

Artistas de la Col·lecció Josep Suñol
Sergi Aguilar, Frederic Amat, Rosa Amorós, Tonet Amorós, Carmen Calvo, Bill Culbert, Alberto García Alix, Luis Gordillo, Joan Hernández Pijuan, Peter Hone, Luis Lugán, Miquel Navarro, Juan Uslé, Darío Villalba y Zush.

Fundació Suñol – 13.02.2014 / 03.05.2014

Esta muestra llena de libros quiere desplegarse por el espacio miniPanera, apropiarse de los muros y mostrar la pequeña biblioteca dirigida a niños y niñas que hemos ido reuniendo desde el Servei Educatiu de la Panera.
A partir de estos libros hemos experimentado, aprendido, jugado y gozado, pero esta vez, además, llenarán todo el espacio dibujando un gran mural–Pantone, que  esconderá códigos de clasificación para descubrir nuevos libros y muchos secretos. Una experiencia para todos los públicos que nos acercará al mundo del arte contemporáneo a través de los libros.

Una vez más, y siguiendo las líneas maestras de la primera edición, del año 1997, la Biennal d’Art Leandre Cristòfol vuelve a plantearse el reto de realizar una tarea de prospección en torno a las artes visuales contemporáneas, la arquitectura, el diseño y las publicaciones especiales.
Por otro lado, se continua ampliando una colección que quiere ser un reflejo del trabajo y las preocupaciones estéticas y conceptuales de diferentes artistas
catalanes y españoles que crean desde el momento presente.
Dentro de la Biennal de este año hemos dedicado un espacio, a partir de la  intervención específica de la artista Antònia del Río, a dar visibilidad a gran parte de las publicaciones especiales y libros de artista que se han publicado entre los años 2013 y 2014.

Artistas participantes:
Eva Fàbregas, Marco Godoy, Andrés Jaque, Mercedes Mangrané, Guillermo Mora, Juan Pérez Agirregoikoa, Teresa Solar, Julia Spínola, Àlex Trochut + Xavier Mañosa, Antònia del Río, Mauro Vallejo i Verónica Vicente.

Espacios: Centre d’Art la Panera / DAFO

El objetivo de esta propuesta es acercar parcelas de reflexión del artista, que nos conducirán a su obra final por medio de devaneos procesuales y de nuevas vías de experimentación.
Lejos quedan ya las concepciones del arte y del artista como entidades únicas,  coherentes y cerradas. Aquí son seres en continua evolución y en un crecimiento cada vez más híbrido y dependiente de contextos. El aura que sostenía cada obra desaparece al convertirla en piezas de diseño, en ediciones o en pruebas y errores que se aceptan como parte del proceso creativo. Porque el arte es ya otra cosa.
Presentamos una selección de ediciones producidas por La Gran de Marina Núñez, Enrique Marty, Elisa Terroba, Laura Salguero, Raúl Hevia y Los Profesionales (Elena Fernández Prada e Ignacio Pérez-Jofre), que irán acompañadas de información
sobre sus «procesos» de creación: textos, referencias, documentación…

Desde la Regidoria de Drets Civils, Cooperació i Igualtat del Ajuntament de Lleida se ha llevado a cabo un proceso participativo que quiere mostrar y poner en valor los actores, tiempos y espacios que conformaron el período de la transición democrática en Lleida.

Como epílogo a la exposición «Transició democràtica a Lleida», planteamos una presentación del trabajo de Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970). Este artista, desde los inicios de su trayectoria, ha mostrado un gran interés por la historia contemporánea de España, especialmente por el período marcado por la dictadura franquista y la transición democrática. En su trabajo deconstruye y cuestiona los símbolos del poder y propone una revisión comprometida y crítica de la memoria histórica heredada.

Arts Santa Mònica. Espai Residència

Jordi Colomer es el ganador de la 1a Edición del Premio de Videocreación impulsado por LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya y Arts Santa Mònica. En el marco del Festival LOOP Barcelona 2015 Colomer estrena su último trabajo ’X-VILLE’ el jueves 28 de mayo a las 20h en Arts Santa Mònica, un vídeo que gira en torno las utopías y su capacidad para concentrar multitudes.

Con este premio se quiere impulsar la coproducción de un proyecto que, en el ámbito de las prácticas contemporáneas, incorpore el vídeo como elemento único en el conjunto de la propuesta. El objetivo es desarrollar acciones estratégicas que puedan desarrollarse en red, e incrementen la visibilidad en el territorio y la presencia internacional. Al principio de ’X-VILLE’ una joven dice: "Nuestro tiempo es un tiempo de utopías. Hay muchas: la ’American Way of Life’, el Comunismo o los Derechos Humanos. Todas ellas tienen la capacidad de movilizar a las masas." El vídeo está inspirado en varios textos del filósofo y arquitecto utópico Yona Friedman, específicamente en su libro ’Utopías realizables’ (1974), una obra que promueve formas alternativas de organización de las grandes ciudades como respuestas colectivas a la insatisfacción. El vídeo de Colomer se construye a través de situaciones colectivas, recreando imágenes de formas alternativas de organización para la metrópolis.

‘X VILLE’ ha sido producido por: LOOP Barcelona, Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya*, Arts Santa Mònica (Departament de Cultura. Generalitat de Catalunya), Jardins-Fabriques [Annecy], Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y CO producciones [Barcelona-Paris]; en colaboración con: ESAAA [Annecy], Fondation Salomon pour l’Art Contemporain [Annecy], Col.lecció Banc Sabadell, Frac Languedoc-Roussillon y Villeneuve la série [Grenoble]. (*)

La Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya está configurada por: ACVIC. Centre d’Arts Contemporànies; Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona; Centre d’Art Tecla Sala de l’Hospitalet de Llobregat; Centre d’Art La Panera, Lleida; M|A|C Mataró Art Contemporani; Lo Pati  Centre d’Art Terres de l’Ebre; Fabra i Coats-Centre d’Art Contemporani de Barcelona; y El Teler de Llum Centre d’Art, Tarragona. X-VILLE Jordi Colomer 2015 Video, 28′, colour, sound Master 4K 16:9.  

«Los jardines inquietos» es un comisariado de Ester Partegàs de la Col•lecció d’Art de la Panera a partir de su obra Els somnis són més poderosos que els malsons i viceversa, que también forma parte de él. Esta pieza es una instalación de grandes dimensiones concebida como un jardín público, un área ornamental de planteles, una zona de paso de peatones de estética homogénea y global, un jardín totalmente artificial. Partiendo de esta descripción básica, Partegàs ha articulado una serie de analogías entre obras de arte y jardines: tanto el arte como los jardines representan una especie de santuario al disturbio y la confusión que los rodean; ambos necesitan cuidado y dedicación; ambos son manifestaciones de vida porque dan más de lo que reciben, y porque representan un éxtasis de la materia; si los jardines dan orden a nuestra relación con la naturaleza, las obras de arte dan orden a nuestra relación con la realidad. Cada obra elegida para la exposición es entendida como un jardín particular, representativo de un orden específico, con un carácter vinculado a la geografía o la historia. Por ejemplo, la obra Nicknames, de Gustavo Marrone, compuesta por una serie de paneles pintados con nombres propios extraídos de Internet, representa el jardín del Decamerón de Boccaccio, donde cada noche los jóvenes florentinos se cuentan relatos por el placer de socializar. Los nombres que Marrone nos presenta, cada uno pintado de forma diferente, nos sugieren historias y narraciones de vidas distintas. La pieza de Miquel Mont, titulada Sol-mur I, es un rectángulo amarillo pintado en la pared y un contrachapado colocado justo debajo. Con una economía de material extrema, la pieza presenta unas calidades estéticas y de organización prístinas, y una delicada ordenación de la naturaleza, muy semejante a las que encontramos en los jardines zen. Encontramos, también, otras analogías: Nou com a casa, de Jordi Colomer, es el jardín homeless; Demoliciones, de Lara Almarcegui, es el jardín abandonado; Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz, es el jardín chino; Investigación formal, de Ana García-Pineda, es el jardín botánico; Calaixera, de Curro Claret, es el jardín de Epicuro; Sade, de Ana Laura Aláez, es el jardín de Versalles; el vídeo de Cabello/Carceller es el jardín utópico o del edén; etc.
Esta exposición está inspirada en las lecturas de The rambunctious garden: saving nature in a post-wild world, de Emma Marris, y Gardens. An essay on the human condition, de Robert Pogue Harrison.

«Making friends» reúne, a modo de diorama, la colección de personajes que conforman el imaginario de Cesc Grané.
 
La fascinación de este ilustrador catalán por la cultura y el estilo de vida japoneses lo llevó a crear, hace nueve años, su primer personaje en 3D, una montaña inspirada en la iconografía del dibujante japonés Akira Toriyama en El Dr. Slump. A lo largo de todo este tiempo, ha ido perfeccionando la técnica del modelado digital, que le ha permitido ir dando forma a toda una familia de personajes y a la construcción de los escenarios que estos habitan.
 
La atracción del autor por toda esta iconografía lo llevó a emprender un viaje por Asia en el 2012 y a establecerse durante un año y medio en Tokio. Gracias a esta residencia el autor pudo entrar en contacto directo con todas esas fuentes, a las que hasta el momento había podido acceder desde los estereotipos que nos llegan a Occidente, las cuales le permitieron enriquecer todo su imaginario.
 
En la exposición se pueden ver todas estas criaturas y, por primera vez, algunas de ellas abandonan el plano bidimensional y adquieren fisicidad para convivir con los espectadores en el espacio expositivo.

FerranElOtro

La exposición de Cesc Grané tiene una extensión en forma de intervención permanente en el Hospital Universitari Arnau de Vilanova de Lleida, dentro de los Servicios de Pediatría, Obstetricia y Ginecología. Se trata de una acción que ha recibido el apoyo de la Fundació Banc Sabadell.

Trece comisarios, trece exposiciones y un colectivo
Un proyecto de Tania Pardo


«Retando a la suerte» es un proyecto desarrollado a lo largo de dos años (2012–2014), en diferentes fases de presentación, que ha generado una red curatorial en torno a la fotografía y el colectivo NOPHOTO. La comisaria del proyecto invita a otros doce comisarios a que cada uno de ellos idee una exposición con los doce miembros del colectivo de fotógrafos NOPHOTO. El resultado de cada una de estas propuestas se presenta en un único formato: trece cajas concebidas como trece exposiciones portátiles que contienen una fotografía de cada uno de los miembros del colectivo NOPHOTO.

El proyecto arranca con cada una de estas cajas, tituladas Juntos, comisariada por Tania Pardo, quien plantea a cada uno de los fotógrafos que reflexionen sobre la idea colectiva a través de su propia individualidad. Cada uno de los comisarios —Estrella de Diego, Rafa Doctor, Horacio Fernández, Pablo Flórez, Eva González-Sancho, Martí Manen, Rosa Olivares, Sergio Rubira, Manuel Segade, Virginia Torrente, Roberto Vidal + Iraida Lombardía y Manuela Villa— ha trabajado bajo una temática específica en torno a la fotografía contemporánea —¿Documentos de ficción?, Madrid, Lo mejor, Desenfoque, La pérdida, Mussorgsky, Crisis, Errores, Félix, Solos, Lo invisible y Placer—, lo que evidencia la diversidad de miradas y planteamientos de esta red curatorial generada por el propio sistema rizomático del proyecto.

«Retando a la suerte» retoma la idea duchampiana de los museos transportables en maletas o las poéticas cajas de Joseph Cornell, e incluso todo aquello que tiene connotaciones movibles y que Vila-Matas narró en su libro Historia abreviada de la literatura  portátil.
 
Se trata de una propuesta para reflexionar sobre las estructuras trasladables o efímeras para la exhibición de arte a través de este proceso colectivo de creación, ya que estas trece exposiciones, concebidas como dispositivos itinerantes, se presentan en cajas que pueden mostrarse en cualquier lugar.


Colectivo NOPHOTO:

Jonás Bel / Iñaki Domingo / Paco Gómez / Jorquera
Carlos Luján / Eduardo Nave
Juan Millás / Eva Sala / Juan Santos
Carlos Sanva / Marta Soul / Juan Valbuena

retandoalasuerte.nophoto.org/